Học viện mỹ thuật Mỹ

english American Academy of the Fine Arts

Tổng quan

Học viện Mỹ thuật Hoa Kỳ là một tổ chức nghệ thuật được thành lập năm 1802 tại thành phố New York, để khuyến khích sự đánh giá cao và giảng dạy về phong cách cổ điển. Nó trưng bày các bản sao của các tác phẩm cổ điển và khuyến khích các nghệ sĩ thi đua cổ điển trong tác phẩm của họ. Thị trưởng thành phố New York lúc bấy giờ, Richard Varick, và Gulian Verplanck, một chính trị gia ở New York, là một số người tổ chức ban đầu của Học viện. Các nghệ sĩ trẻ ngày càng trở nên gò bó dưới sự ràng buộc của nó, và vào năm 1825 để thành lập Học viện Thiết kế Quốc gia.

Nghệ thuật Mỹ là một hệ thống nghệ thuật có nguồn gốc từ châu Âu và đã thiết lập giá trị thẩm mỹ của riêng mình. Lịch sử của nó vẫn còn hơn 200 năm, nhưng nó đã trở thành một nghệ thuật mới không thể nhìn thấy ở lục địa cũ do tác động kết hợp của khí hậu và các yếu tố lịch sử. Hoa Kỳ đã đạt được một vị trí hàng đầu trong nghệ thuật đương đại vào giữa thế kỷ 20, nhưng nghệ thuật trước đây có nền tảng và đặc điểm sau đây. Đầu tiên, sân khấu của nghệ thuật Mỹ là thiên nhiên rộng lớn và khắc nghiệt. Đặc biệt vào giữa thế kỷ 19, nhiều bức tranh phong cảnh tuyệt đẹp dựa trên quan điểm của Mỹ về thiên nhiên đã được tạo ra. Thứ hai, lịch sử của những người nhập cư từ thời thuộc địa ảnh hưởng rất lớn đến sự hình thành của nghệ thuật Mỹ. Những người nhập cư Anglo-Saxon đầu tiên vào vùng phía đông, được gọi là Wasp, được cho là đã tạo ra khuôn khổ cơ bản của nền văn minh Mỹ, nhưng điều tương tự cũng đúng với nghệ thuật, tin tưởng vào sự thật, ám ảnh với một tầm nhìn đơn giản và đơn giản, sự rõ ràng Các đặc điểm của nghệ thuật Mỹ, như tôn trọng sự chắc chắn và mạnh mẽ, là điểm chung với nghệ thuật Anh. Từ cuối thế kỷ 19 đến đầu thế kỷ 20, một lượng lớn người nhập cư đã chảy từ Đông Âu và Nam Âu. Sự di cư của nhóm dân tộc mới này đã thay đổi đáng kể cấu trúc văn hóa của xã hội Wasp và biểu hiện của những người nhập cư Mỹ Latinh sau Thế chiến II đa dạng rõ rệt. Thứ ba, nghệ thuật Ấn Độ bản địa ít ảnh hưởng đến nghệ thuật của những người di cư sớm và con cháu của họ, và nghệ thuật châu Âu là điểm khởi đầu cho nghệ thuật Mỹ và vẫn là một mô hình trong một thời gian dài. Ngay từ đầu, các nghệ sĩ gốc Mỹ thường dành nhiều năm đào tạo ở châu Âu, học hỏi không chỉ các kỹ thuật, mà còn quay trở lại để tiếp xúc với các tác phẩm nghệ thuật từ thời cổ đại cho đến hiện tại. Tình trạng này tiếp diễn cho đến đầu thế kỷ 20. Thứ tư, do dân chủ, gần như không có thứ bậc mạnh mẽ trong thế giới nghệ thuật Mỹ, như các học viện châu Âu. Kể từ đầu thế kỷ 20, sự gia tăng di động xã hội cùng với sự phát triển nhanh chóng của hệ thống tư bản đã cho phép các thử nghiệm thử nghiệm khác nhau trong nghệ thuật và thúc đẩy những thay đổi chóng mặt trong phong cách. Sau Chiến tranh thế giới thứ hai, hiện tượng này được tăng tốc và từ những năm 1950 đến cuối thập niên 70, Hoa Kỳ đã thay thế Pháp (Paris) thành trung tâm của nghệ thuật đương đại.

Bức vẽ

Nghệ thuật Mỹ trong thế kỷ 17 và 18 là thời kỳ của những bức chân dung. Nghệ thuật tôn giáo không tồn tại trong các nhà thờ Tin lành (Puritan, Quaker, v.v.), chiếm trung tâm của xã hội thuộc địa, bởi vì việc sản xuất hình ảnh tôn giáo (hình ảnh thiêng liêng) bị nghiêm cấm. Ngay cả sau khi giành được độc lập, Hoa Kỳ đã thống nhất với triết lý xã hội Anglo-Saxon, và điều đầu tiên là những người xây dựng tài sản và địa vị của họ yêu cầu chân dung. Vào nửa sau của thế kỷ 18, để đáp lại chủ nghĩa tân cổ điển châu Âu, các anh hùng sáng lập đã được vẽ như một loại hình ảnh lý tưởng. JS Copley và B. West là hai họa sĩ lớn đại diện cho nước Mỹ trong thế kỷ 18, nhưng rất khó để thiết lập các bức tranh lịch sử, được coi là lĩnh vực cao quý nhất ở châu Âu, do sự khác biệt về sở thích và giá trị của người bảo trợ. , Cả hai sau đó đã đến Anh, và sau đó trở thành một giám đốc thành công của Học viện Hoàng gia. Vào đầu thế kỷ 19, Học viện Mỹ thuật đầu tiên của Mỹ, Học viện Mỹ thuật Pennsylvania (1805), và sau đó là Học viện Thiết kế Quốc gia (1826) cuối cùng đã được thành lập, nhưng nhiều người đã học ở Châu Âu. Vào những năm 1820, Trường sông Hudson Một nhóm các họa sĩ phong cảnh được gọi là xuất hiện. Các hoạt động của nhóm là khám phá thiên nhiên Mỹ thông qua hội họa. Mặc dù nó gần như trùng lặp với nhóm Barbizon của Pháp, T. Cole, họa sĩ trung tâm của trường phái sông Hudson, thấy rõ cảnh quan là kinh thánh tối cao phù hợp với quan điểm của nhà triết học RW Emerson về thiên nhiên. . Trong nửa sau của thế kỷ 19, quan điểm đã chuyển sang ghi chép về tự nhiên, và chủ nghĩa hiện thực tự nhiên của nó đi theo con đường biểu hiện chủ quan bên trong vào cuối thế kỷ. Bên cạnh những bức tranh phong cảnh, từ giữa thế kỷ 19, những bức tranh thể loại liên quan đến cuộc sống hàng ngày rất nổi bật ở các thành phố phía đông và biên giới của miền Trung Tây (Núi William Sidney (1807-68), Bingham George Caleb Bingham (1811-79) , Johnson Eastman Johnson (1824-1906)). Bức tranh thể loại thời đó miêu tả cuộc sống lành mạnh và vui vẻ của người dân thường có một cái gì đó tương tự như văn học của nhà thơ quốc gia Whitman. Ngoài ra, thật khó để quên sự tồn tại của JJ Audubon, nơi ghi lại chính xác các loài chim và bốn con của Mỹ. Hoa Kỳ sau Nội chiến sẽ có một bước nhảy vọt đối với sự hình thành của một xã hội tư bản hiện đại. Được trưng bày từ Nhật Bản tại Triển lãm Philadelphia (1876) kỷ niệm 100 năm độc lập, tượng trưng cho sự phát triển nhanh chóng sau chiến tranh, Japonisme Đó là một kích hoạt trực tiếp cho Takamori. Trong nửa sau của thế kỷ 19, có những xu hướng thực tế của W. Homer và T. Akins và những biểu hiện tuyệt vời của các tay đua AP. Mặt khác, JAM Whistler và M. Cassat đã tham gia sâu vào Chủ nghĩa Ấn tượng ở Châu Âu và Robinson Theodore Robinson (1852-96), C. Hassam, John Henry Twachtman (1853-1902), và JS Sargent, những người làm họa sĩ vẽ chân dung ở Paris và Luân Đôn. Mang về nhà một phong cách ấn tượng. Nói cách khác, nghệ thuật tại thời điểm này đã được phát triển trong khi giao thoa một loạt đòi hỏi một tầm nhìn duy nhất cho Hoa Kỳ và một loạt hấp thụ các nhóm tiền Raphael và Ấn tượng ở Châu Âu.

Trong thế kỷ 20, nghệ thuật Mỹ đa dạng hóa với tốc độ nhanh. Hai phong trào đổi mới xuất hiện ở New York vào đầu thế kỷ. Một là khai trương Phòng trưng bày <291> (New York) của nhiếp ảnh gia A. Stieglitz vào năm 1905 và sự phát triển của nghệ thuật tiên phong (Marine John Marin (1870-1953), Charles Demuth (1883-1935), G. O'Keefe, Weber (họa sĩ), Max Weber (họa sĩ) (1881-1961), v.v.) và người khác tập trung vào R. Henrai kể từ 2008 <The Eight (nhóm 8 người)> Hoạt động nhóm (Sloan John Sloan (1871-1951), Luxe George Benjamin Luks (1867-1933), Davis Arthur Bowen Davies (1862-1928), v.v.). Cái trước có chức năng như một điểm liên lạc cho chủ nghĩa hiện đại ở Paris cùng một lúc và là cơ sở để thúc đẩy nghệ thuật hiện đại của Mỹ. Sau này nổi loạn chống lại học viện, và mô tả thực tế cuộc sống hàng ngày trong thành phố, và cũng được gọi là Trường Ash Ash Can School. Tiếp theo đó, trong 13 năm trước Chiến tranh thế giới thứ nhất, Triển lãm nghệ thuật hiện đại quốc tế < Kho vũ khí > Được tổ chức. Đây là triển lãm quy mô lớn đầu tiên ở Hoa Kỳ giới thiệu nghệ thuật châu Âu hiện đại, và nó có tác động lớn đến thế giới nghệ thuật. Kể từ đó, các thế hệ đã tiêu hóa Forbism, Cubism, Expressionism, v.v. đã hình thành nghệ thuật hiện đại của Mỹ (Marin, Weber, S. Davis, Schiller Charles Sheeler (1883-1965), E. Hopper, Man Ray, et al. ). Nhưng với sự bùng nổ của Thế chiến I, ảnh hưởng của châu Âu giảm dần và chủ nghĩa khu vực dựa trên chủ nghĩa hiện thực có trụ sở ở Trung Tây xuất hiện (TH Benton, Wood Grant Wood (1892-1941), Curry John Steuart Curry (1897-1946) et al. Bức tranh phong cảnh Mỹ ). Những xu hướng dân tộc này bắt đầu chảy vào kế hoạch nghệ thuật WPA (Cục xúc tiến kinh doanh) (quảng bá vẽ tranh tường cho các tòa nhà công cộng, v.v.), là một phần của Thỏa thuận mới được thực hiện sau Đại suy thoái (1929). Ngoài ra còn có xu hướng tiên phong từ các nhóm xã hội như Ben Shaan từ Litva và A. Gokey từ Armenia. Vào những năm 10, F. Picavia (1913) và M. Duchamp (1915) đã đến New York, nhưng khi Thế chiến II xảy ra, tránh chiến tranh, M. Ernst, P. Mondrian, A. Masson, F. Leger và những người khác Các nhà siêu thực châu Âu và các nhà văn nghệ thuật trừu tượng đến Hoa Kỳ. Sự xuất hiện của họ là một trong những bước ngoặt của nghệ thuật Mỹ thế kỷ 20, và tạo cơ sở cho việc tạo ra các xu hướng mới trong và sau chiến tranh. Xuất hiện ở New York vào những năm 40 Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng Trong nền tảng của chủ nghĩa lập thể và siêu thực, nó tương ứng với không chính thức của châu Âu. Điều này bao gồm một nhóm các bức tranh hành động (J. Pollock, W. De Kooning, Klein Franz Kline (1910-62), v.v.) đặt chuyển động dữ dội trên màn hình và một ô trường màu với bề mặt màu phẳng. Tranh trường màu Ting (M. Rothko, Newman Barnett Newman (1905-70), Still Clyfford Still (1904-80), Rheinhardt Ad Reinhardt (1913-67), v.v.) Tôi đã tạo ra một bức tranh gây sốc mà tôi đã sử dụng rất nhiều . Từ cuối thập niên 40 đến giữa thập niên 50 là thời hoàng kim của hội họa biểu hiện trừu tượng, nhưng nó đã sụp đổ từ cuối những năm 50 do những vấn đề của Klein, cái chết của Pollock và chính bức tranh biểu hiện trừu tượng, Nghệ thuật đại chúng Và một sự trừu tượng mới (Trừu tượng hậu họa). Chính thế hệ này đã cố gắng vượt qua những khó khăn của nhà biểu hiện trừu tượng đã đi vào con đường của chủ nghĩa cá nhân, và họ đã loại bỏ chủ nghĩa siêu thực và chủ nghĩa lập thể, mà nhà biểu hiện trừu tượng tạm thời kết nối, với hình thức ban đầu của họ. Ngoài ra, ông tìm kiếm một hướng đi mới tương ứng với thời đại. Các cựu là R. Rauschenberg, J. Jones, C. Oldenburg, Rosenquist, James Rosenquist (1933-), R. Rikutenstein, A. Warhol, G. Segal, Wessmann Man (1931-2004), Marisol Escobar (1930-) , v.v., những người chủ yếu trích xuất và bình luận về các sản phẩm sản xuất hàng loạt và hình ảnh của xã hội phổ biến. Sau này bao gồm Kelly Ellsworth Kelly (1923-), Youngerman Jack Youngerman (1926-), Held Al Held (1928-2005), Frankenhaler Helen Frankenthaler (1928-96), S. Francis, Kenneth Noland (1924-) , thao tác bề mặt màu rõ ràng và vô nhân đạo đã được thực hiện. Từ cuối những năm 1960, khái niệm nghệ thuật đã đa dạng hóa đáng kể, và nhiều thí nghiệm đã được thực hiện kể từ khi nghệ thuật khái niệm (nghệ thuật khái niệm) ra đời, cố gắng giảm nghệ thuật về nguồn gốc của mối quan hệ giữa vật chất và con người. Land Art, chẳng hạn như Oppenheim Dennis Oppenheim (1938-), Smith Smith Robert Smithson (1938-73), Christo, v.v., chọn sa mạc và bờ biển làm nơi làm người mẫu, và đóng Chuck Close (1940-) và những người khác Siêu thực Cũng xuất hiện. Hơn nữa, từ sự từ chối của chính biểu hiện, các thử nghiệm hình ảnh thuần túy sử dụng huỳnh quang như D. flavin ( Nghệ thuật ánh sáng ), Nhưng mất năng lượng từ cuối những năm 70, và người biểu hiện <Tranh mới> xuất hiện vào đầu những năm 80, nhưng đó không phải là một bước đột phá mới.

Điêu khắc

Ban đầu, chân dung chạm khắc gỗ đã được thực hiện, nhưng điêu khắc đầy đủ bắt đầu với các tác phẩm điêu khắc tân cổ điển như H. Greeneau, người đã nghiên cứu ở Ý vào giữa thế kỷ 19. Khoảng cuối thế kỷ 19, chủ nghĩa tự nhiên hàn lâm như A. St. Gordens và người Pháp Daniel Chester French (1850-1931) xuất hiện, trong khi Remington Frederic Remington (1861- 1909), Charles Marion Russell (1864-1926) cũng hoạt động . Chủ nghĩa hiện đại châu Âu và các tác phẩm điêu khắc tương ứng xuất hiện vào thế kỷ 20, sau sự ra đời của Neliemann Elie Nadelman (1882-1946), Lachaise Gaston Lachaise (1882-1935), và Manship Paul Manship (1885-1966) Đó là nó. Điêu khắc trừu tượng được sinh ra từ các hoạt động của Smith Tony Smith (1912-80) và A. Coleder trong những năm 1930, tiếp theo là L. Nebelson và Isamu Noguchi. Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng của các bức tranh và tác phẩm điêu khắc dựa trên nền tảng xuất hiện sau Thế chiến II, và Cornell Joseph Cornell (1903-73) và Keenholz Edward Kienholz (1927-94) đã hoạt động trong lĩnh vực Lắp ráp xuất hiện từ những năm 1950. Với nghệ thuật pop Cấu trúc sơ cấp Các tác phẩm điêu khắc của dòng (Jud Donald Judd (1928-94), v.v.) đã tương tác với nhau ngày hôm nay. Hiện nay, điêu khắc Mỹ đang bùng nổ hơn bao giờ hết do sự nổi lên của điêu khắc công cộng.

Ngành kiến trúc

Trong thời kỳ thuộc địa, các phong cách kiến trúc của quê hương của họ đã được cấy ghép, và những ngôi nhà và nhà thờ bằng gỗ hoặc đá mộc mạc đã được tạo ra. Cái gọi là bắt chước phong cách Gruzia của Anh trước và sau thời kỳ độc lập Phong cách thực dân Được sinh ra, nhưng phong cách quốc tế đã được đưa ra bởi Salanfant Pierre Charles Bennfant (1754-1825), BH Latcoat, v.v., người đã đến thăm Hoa Kỳ vào đầu thế kỷ 19. Trước và sau Nội chiến, các phong cách Hy Lạp, Gothic và Phục hưng, được đại diện bởi Hunt Richard Morris Hunt (1828-95), đã được nhìn thấy. Vào đầu thế kỷ 20, <Chicago School> của LH Sullivan và FL Wright đã cố gắng khắc phục xu hướng này bằng cách phát triển các tòa nhà cao tầng thương mại có kết cấu thép chống lại những tiến bộ của công nghệ công nghiệp. Tòa nhà chọc trời Đã mở đầu tòa nhà chọc trời. Vào những năm 1920, các phong cách chức năng từ thị trường phù hợp với xã hội tiêu dùng đến nhà trọ xuất hiện, và trong kế hoạch WPA của thập niên 30, phong cách cổ điển và quốc tế xuất hiện cùng với nhà ở giá rẻ. Sau chiến tranh thế giới thứ hai, nhiều tòa nhà hiện đại thử nghiệm đã ra đời phản ánh sự bùng nổ chưa từng có và W. Gropius, Saarinen (trẻ em), L. Mies van der Rohe, LI Khan, R, di cư từ các hoạt động ở châu Âu như Neutra, PC Johnson , Minoru Yamasaki và Pay Ieoh Ming Pei (1917-) là đáng chú ý. Từ những năm 1970, khái niệm kiến trúc đã đa dạng do sự tinh tế của cấu trúc xã hội, và xu hướng của chủ nghĩa hậu hiện đại Hồi giáo đã ra đời, bao gồm nhiều phong cách lịch sử khác nhau được đại diện bởi Graves Michael Graves (1934-). Nó đã được.

Thủ công, thiết kế

Hàng thủ công Mỹ đã được phát triển theo nhiều cách khác nhau kể từ thời kỳ thuộc địa đầu tiên, tập trung vào đồ nội thất hàng ngày, và hàng dệt, thủy tinh, đồ bạc, v.v., được sản xuất bởi các nhóm nhập cư. Kể từ nửa sau của thế kỷ 19, những thay đổi thiết kế đã xảy ra do sự rửa tội của chủ nghĩa chức năng và mô hình hóa, và sự biến đổi hơn nữa đã bị ép buộc bởi những thay đổi trong điều kiện xã hội như sản xuất hàng loạt và tiêu thụ hàng loạt. Vào cuối những năm 1920, Norman Bel Geddes (1893-1958) và Walter Dorwin Teague (1883-1960) đã trở thành những nhà thiết kế công nghiệp độc lập, và vào năm 1937 dưới sự chỉ đạo của L. Mohori Nagi ở Chicago. Bauhaus mới> được thành lập và trở thành trung tâm giáo dục thiết kế. Sau Thế chiến II, trong lĩnh vực nội thất, các kiến trúc sư châu Âu cũng như Nelson George Nelson (1908-86), C. Eames và những người khác đã sản xuất các hình thức chức năng. Nói chung, chủ nghĩa thực dụng là nguyên tắc cơ bản xuyên qua các nghề thủ công của Mỹ, nhưng nó cũng có một khía cạnh ngây thơ và ngây thơ như nghệ thuật dân gian.

Mỹ thuật và nghệ thuật Nhật Bản

Hoa Kỳ bắt đầu tập trung vào sự tồn tại của nghệ thuật Nhật Bản một cách nghiêm túc từ thời nghiên cứu của Fenollosa trong thời kỳ đầu Meiji, trong khi Nhật Bản bắt đầu chú ý đến nghệ thuật Mỹ gần đây. Sau chiến tranh. Điều này là do tuổi trẻ của chính nghệ thuật Mỹ, cũng như thực tế là Nhật Bản trước chiến tranh đã cống hiến cho sự hấp thụ của châu Âu, đặc biệt là nghệ thuật Pháp. Ở Hoa Kỳ, Japonisme phát triển mạnh vào khoảng cuối thế kỷ 19, và vào đầu thế kỷ 20, giáo dục nghệ thuật theo phong cách Nhật Bản, bao gồm cả việc vẽ một bức tranh Nhật Bản có tên là <Phương pháp Fenorosa Dow>, đã được tiến hành. Toshiyuki Shimizu (1887-1945), Yasuo Kuniyoshi, Eitaro Ishigaki (1893-1958), Hideo Noda (1908-39) và những người khác là những họa sĩ đặc biệt đã nghiên cứu và làm việc tại Hoa Kỳ trong những năm 1910 và 40. Tôi đã vẽ thế giới thực của nước Mỹ trong một trạng thái hơi buồn. Sau Thế chiến II, nghệ thuật Mỹ có tác động trực tiếp đến nghệ thuật đương đại Nhật Bản. Đặc biệt là từ sự ra đời của chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, các thử nghiệm thử nghiệm xuất hiện ở Yatsubayaya đã kích thích đáng kể khu vực tiên phong của Nhật Bản. Không bao gồm ảnh hưởng của một số nghệ thuật châu Âu, nghệ thuật hậu chiến ở Nhật Bản được hình thành theo bối cảnh nghệ thuật đương đại của Mỹ, và xu hướng đó vẫn tiếp tục. Các họa sĩ làm việc ở Mỹ sau chiến tranh là Kenzo Okada (1902-82), Genichiro Inokuma (1902-93), Minoru Kawabata (1911-2001), Minoru Niizuma (1930-98), Yujio Shinohara (1932-) , Kawaraon (1933-), Arakawa Shusaku (1936-2010) và những người khác.
Sumio Kuwahara