opera(opera, Opera binası, Operetta, opera)

Opera, <work> ve <motion> anlamına gelen İtalyan operasından (Latin opus'un çoğul hali) türetilmiştir ve başlangıçta musica (müzikal çalışma) veya opera scenica (aşamalı çalışma) olarak opera olarak adlandırılmalıdır. Eski günlerde, musica'da favola (müzikle hikaye) ve musica başına dramma (müzikle drama) gibi isimler de vardı. Japonya'da “opera” olarak çevrilir. Sanat müziği türü olarak Opera, 16. yüzyılın sonunda İtalya'da doğdu ve o zamandan beri Avrupa müziğinin gelişiminde önemli bir yer edinmiştir.

Opera'nın karakteristik özelliği, bir şarkı ve orkestra tarafından sahne alan bir müzikal drama olmasıdır. Şarkılar arias ve ritatiflerin yanı sıra çeşitli koro ve koro formlarını içerir. Şarkıları desteklemeye ek olarak, orkestralar üstesinden (prelüdler) ve kesintilerden sorumludur ve bazen eşsiz bir senfonik akışla dramaların gelişimini takip eder. Bu müzik öğelerine ek olarak, oyunculuk, dans, sahne tasarımı, kostümler, aydınlatma vb.Gibi görsel öğeler, genel bir etkiyi hedefleyen opera performans sanatlarını oluşturur.

Bu arada, aynı sahne sanatları arasında saf drama ile karşılaştırıldığında, opera drama olma en büyük özelliğine sahiptir ve diyaloğuna sıradan dramadan farklı olan libretto denir. Opera şarkısı, böyle bir efekti elde etmek ve sürdürmek için, müziğin kanatlarını alarak lirik ifade ve teknik göz alıcılıkta benzersiz bir yüksekliğe ulaştığı için, bunun belirli bir süre ve sonuç olarak, dramanın gelişimi genellikle dramaya kıyasla yavaş bir tempoya sahiptir ve karmaşıklıktan kaçınmalıdır. Ayrıca, çok soyut ve felsefi kavramlar ve ani görüntü değişiklikleri opera'nın zayıf noktalarıdır. Örneğin, çoğu opera bestecisi Hamlet'in ünlü “olmak ya da olmamak, bu soru” ifadesinin etkili bir şekilde bir şarkıya dönüştürülmesi gerektiğini söylemekte isteksiz olacaktır. Öte yandan, Aida'nın <Kazanan ve Geri Dönen> filminde görüldüğü gibi, opera dramada taşan duyguları ve arkalarındaki fikirleri ifade etmede bulunmayan etkili bir ifade yoluna sahiptir. . Bu nedenlerle, iyi oyunlar her zaman opera için uygun değildir ve iyi pirzolalar her zaman yüksek edebi değere sahip değildir. Bununla birlikte, Metellink Dramasında Debussy's Pereas ve Melisand, Wild Drama'da R. Strauss'un Salome ve G. Buchner'ın orijinalinde Berg Wroteck gibi nadiren mutlu bağlantılar vardır. Aynı zamanda görülebilen bir gerçektir.

Meiji döneminde Almanya'da öğrenim gören Mori Ogai, memleketinde opera kelimesi yerine Batı Kabuki'yi gördüğünü yazdı. Bu çok zekice bir benzetmedir. Her ikisi de müzikli kapsamlı sahne sanatlarıdır ve genellikle önde gelen aktörlerin ve şarkıcıların muhteşem popülaritesi, seyirci koltuklarının ve lobisinin sosyal atmosferi ve standart performanslara odaklanan bir repertuarın nasıl monte edileceği ile paylaşılır. Ancak, birçok fark vardır. Her şeyden önce, müziğin özgül ağırlığında farklılıklar vardır. Kabuki'de, eserin kompozisyonu ve kompozisyonu temelinde, bir sanatçı ve besteci olan bir kişi Kyogen yazarının çalışması için müzik (eşlik) yaratır, operadayken bu bir diyalogdur. Besteciler yazarlardan çok daha baskındır. Yönetmenin işbirliği vazgeçilmez olsa bile, bütünden sorumlu en yüksek kişi şefdir.

İkincisi, sosyal arka plandan bakıldığında, Kabuki aslında bir kasaba halkı sanatıydı, ancak opera, ortaya çıktığı sırada aristokrat bir sanattı. İtalyan opera seria opera seria (Ortodoks) ve Fransız trajedi lyrique (lirik trajedinin trajedisi), klasik tarzda yüksek bir güzellik seviyesini korurken toplumun en üst noktasıdır. , Yönetici sınıfla birlikte geliştirildi. Öte yandan, 18. yüzyıldan itibaren, İtalya'da opera buffa (palyaço operası anlamına gelir), Fransa'da opera komik opéra comique (gel opera, daha sonra diyalog dahil opera), Ballad opera, Almanya Jingspiel Singspiel gibi daha popüler bir opera türü ortaya çıktı, ancak ortak olarak ortodoks ve lirik trajedinin aristokrat doğası ve parodi ruhu ve parodi ruhu var. Öyleydi. 19. yüzyılda, ölçek, muhteşem sahne efektleri ve ciddi duygular üzerinde benzeri görülmemiş bir yüksekliğe tırmanmaya çalışan Grand Opéra, bir kez daha ortak konfor ve nefes istiyor. operet Başladı. Başından beri bir kasaba sanatı olarak geliştirilen Kabuki'de böyle bir süreç görülmez.

Üçüncüsü, oyunculuk görsel biçimi ile sahne arasında bir fark vardır. Kabuki'nin sahnesi, genişlikte bir resim kaydırma gibi göründüğü sürece ve bir çiçek yoluna sahip olarak, görsel formun yatay akışkanlığı vurgulanır ve seyirci koltukları ve sanatçılar arasında alışverişler yaratılır. . Öte yandan, bir opera sahnesi, sahnenin ön kenarına yerleştirilen proscenium kemerinin bir resim çerçevesinin rolünü oynadığı bir ekranla karşılaştırılabilir. Bu nedenle, sadece yatay yayılmaya değil, aynı zamanda üç boyutlu dikey yayılmaya ve derinliğe de vurgu yapılmaktadır. Bir proscenium kemerinin en boy oranı genellikle neredeyse karedir.

Şu an için kabuki ve operayı karşılaştırarak, daha önce belirtilmiş olandan anlaşılacağı gibi, opera bunu gerçekleştirmek için tam teşekküllü bir opera binası gerektirir. Bir genel gösteri salonu (konser salonu) ile bir opera binası arasındaki temel fark, sahne fonksiyonuna ait olan parçanın büyük bir kısmının tüm binayı kaplamasıdır. Seyirci koltuklarından görülebilen sahne sadece küçük bir parçadır ve sahneyi değiştirme işlevini tam olarak yerine getirmek için, her iki tarafta (yan sahne) ve arka (arka sahne) ile karşılaştırılabilir bir alan gereklidir. . Ek olarak, uç kısımda uçurum gerekir ve çeşitli askıya alınmış nesneleri tamamen kaldırmak için üst kısımda bir sinek (kule) gereklidir. İdeal olarak, sahnenin ön kenarından arka sahnenin arka kenarına olan mesafe yaklaşık 50 m'dir ve sinek yüksekliği sahne seviyesinin yaklaşık 40 m üzerindedir. Öte yandan, izleyici koltukları için, herhangi bir koltuktan sahnenin ön kenarına olan görüş mesafesi 20 metreyi geçmemelidir. Sonuç olarak, sahneyi çevreleyen at nalı şeklinin birkaç katmanıyla örtüşen bir galeri stili benimsenecektir. Opera binasına özgü böyle bir mimari tarz 17. yüzyılda Venedik'te yavaş yavaş başladı ve 19. yüzyılda büyük opera modasının tetiklediği çeşitli yerlerde tam ölçekli bir opera binası inşa edildi. Wagner'in eliyle inşa edilen Bayreuth Festival Tiyatrosu, bestecileri ve yönetmen Wagner, ideallerini gerçekleştirmek için tasarlandı. Gözlerini al. Milan Scala , Viyana Devlet Operası, Paris Opera New York Metropolitan Operası gibi dünyaca ünlü opera binalarının hepsi çarpıcı sahne yapılarına sahiptir. Öte yandan, tek perdelik veya küçük ölçekli bir opera gerçekleştirmek için küçük bir iç mekan tarzı opera binası uygun olabilir ve Milano'daki La Scala Tiyatrosu'na bağlı Piccola Scala (küçük scala) tipik örnek.
[Temsilci Opera Binası]

Bu arada, müzik sanatı alanlarında ulusal karakteri opera kadar derinden yansıtan hiçbir şey olmadığını söylemek abartı olmaz. Tabii ki, enstrümantal müzik ve şarkıların eserlerinde bile, bestecinin kimliğinin bir parçası olarak ulusal karakter doğal olarak ortaya çıkıyor, ancak opera durumunda, birkaç öğe bir araya geliyor ve daha da zengin hale getiriyor. Birincisi hikaye. İnsanları büyük ilgilendiren mitler, efsaneler ve tarihi hikayeler genellikle konu olarak seçilir ve genellikle başarılı çalışmalara yol açan faktörlerden biri olarak kabul edilir (Webber'in Büyülü Okçu, Shu Shimizu) Zenji Monogatari vb. ). Söylemeye gerek yok, anadillerinde söylenen sözler milliyeti ve etnisiteyi daha net hale getiriyor, etnik deyimler müzikte tasarlanıyor ve halk şarkıları ve etnik danslar genellikle bilinçli olarak dahil ediliyor. Dahası, kostümler, eserler ve arka planlar gibi görsel öğeler güçlü bir etnik izlenim veriyor. Örneğin, 19. yüzyıl ulusal okul müziğinde Rusya, Musorgsky'nin Boris Godunov'u, Bohemya ise Smetana'nın Satılan Gelini tarafından temsil edilmektedir.

Dahası, sadece Avrupa'daki bu son derece etnik ülkelerde değil, aynı zamanda müziğin gelişiminde ana rolü oynayan orta Avrupa ülkelerinde, milliyet ve etnik köken farklılıkları önemliydi. Grueck'in Orpheo'su Viyana (İtalyanca) ve Paris'te (Fransızca), Wagner'in Tannhauser'ı Almanca ve Fransızca dillerinde mevcuttur. İnsanların bale tercihlerini göz önünde bulundurarak, büyük değişiklikler yaptılar. Bu arada, opera kendiliğinden doğduğu İtalya dışındaki ülkelerde, tüm ülkelerde opera dışarıdan ithal edilen bir sanattı. Bu nedenle, en büyük zorluk, canlı bir “anlatı” tonunu korurken yeni bir ezberci “şarkı söyleme” tarzının nasıl yaratılacağıydı. Bu zorluğun üstesinden gelmek beklenmedik bir şekilde zordu. Zaten güçlü kişilikler olarak tarif edilen opera bufa, opera çizgi romanları, ballad opera, gingpiel, vb. Namanoserifu diyaloğunun İtalya dışındaki diğer ülkelerde ritatif yerine kullanıldığı gerçeği Ama koşulları anlatıyor . Öte yandan, İtalya dışındaki ülkelerde, İtalyan tarzı ünlü yöntemine dayanan parlak coloratura tekniği genellikle seyrek olarak kabul edildi.

Bu arada, opera sanatının, devlet sistemi tarafından sıklıkla kullanıldığı veya görsel ve işitsel duyuları birleştiren şehvetli bir çekiciliğe sahip bir dinleyiciye yaklaştığı noktadan sansürlendiği bir tarihi vardır. Opera, en eski opera olan J.Perri'nin “Euridice” gibi bir zamanlar hanedanlar arasındaki muhteşem evliliklerin kutlamalarına aitti. 19. yüzyılda opera performansları bazen tehlikeli olarak görülüyordu çünkü milliyetçi bağımsızlık hareketlerinin ve sosyalist devrimlerin momentumunu ateşlediler. , Genellikle sansüre tabidir. 20. yüzyılda Wagner'in operası Hitler liderliğindeki Naziler ve Shostakovich'in şaheseri “Bayan tarafından anti-Semitizm için kullanıldı. Mutzensk'ten Macbeth ”, Sovyet sosyalist gerçekçilik çizgisine eleştirildi. yapabilmek.

Şimdi, genel bakışta belirtilmesi gereken bir şey opera orkestra Bir rolü var. Opera binası binasında yaklaşık 100 orkestra üyesi bulunan bir orkestra kutusunun şart olduğu gibi, bir orkestra olmadan bir operaya sahip olmadığı söylenebilir. Şarkıcıların ürün değişmesi durumunda değişmesi gelenekseldir, ancak orkestraların değişmesi hakkında düşünmek imkansızdır. Aksine, her zaman çeşitli repertuarları barındırabilecek yetenekli bir orkestrayı korumak, kalıcı bir opera binası için vazgeçilmez bir koşuldur. Örnek olarak, Viyana Devlet Operası orkestrası tiyatro dışında konser verirken “Viyana Filarmoni” olarak bilinir ve bu nedenle dünyanın birinci sınıf konser orkestrası olarak bilinir.

Tiyatro, dramatik etkiler için bir orkestrasyon yaratıcılığı ve denemesinin yapıldığı yerdi ve etkiler, bir sonraki dönemin senfonik orkestrası hatlarıyla emildi. Mozart tarafından “Arka Saraydan Kaçırma” da kullanılan Türk tarzı vurmalı çalgılar (üçgen, zil ve taiko), Beethoven tarafından iki borulu bir orkestraya ek olarak ve Dokuzuncu Senfoninin son bölümünde kullanıldı Zaten, <Türk askeri müziği> nin anlamı olduğu ortaya çıkan bir müzikal ifade dağını inşa etti. O zamandan itibaren Brahms'ın senfonilerine benzer vurmalı çalgı kombinasyonları, romantik orkestraların kalıcı bir organizasyonu haline geldi. Wagner ayrıca Wagner Tuba adlı bir enstrüman yaratarak orkestranın rengini genişletmek için çalıştı ve orkestrayı eşi görülmemiş dört tüplü bir organizasyona genişletti, ancak renk ifadesinin zengin olasılıkları: R. Strauss'un “The Life” takıntılı Kahramanlar ”ve diğer senfonik şiirler ve Mahler'in“ Bin Senfonisi ”.

Ancak, opera ve orkestra arasındaki bağlantı ne kadar derin olursa olsun, opera sanatının “çiçeği” ünlü şarkıcının bir şaheseridir. 17. ve 18. yüzyıllarda mükemmel dramatik ifade için castrato Farinelli G. Farinelli (1769-1836) gibi ünlü bir şarkıcı, Mozart adlı insan yapımı bir ses (erkek alto) kullanarak doğdu. Sonuncusu Idmeneo (1781). Erken operadaki ana rol bu castrato, soprano ve tenor ile sınırlıydı, ancak 18. yüzyılda geliştirilen opera buffa palyaçonun basını ve aria'nın formunun ve okunmasının kombinasyonunu vurguladı, daha bol oldu. 19. yüzyılda mezo-soprano, alto, bariton, vb. De uygun roller verildi. Aynı vokal aralığında bile, dramatico (dramatik ifade için uygun ses), Ririco (lirik ifade için) Uygun sesler ve noktalar (güçlü ve güçlü sesler) gibi farklı ses türleri artık ayırt edilir. Donizetti, Bellini, Verdi'den Puccini'ye kadar İtalyan operasının altın çağı, bu farklı ses türleriyle ünlü sahnelerin bir sergisini sunmaktadır. Bu arada, opera bestecilerinin belirli bir şarkıcının performansı göz önünde bulundurularak bir opera bestelemesi nadir değildi, yani belirli bir türden iyi bir şarkıcı yoksa, bunun bir olasılık olacağı söylenebilir. tekrar yapmak imkansız. Aslında, M. Callas adlı son soprano dramatico, Bellini'nin “Norma” ve diğer eserlerinin sahneye geri getirildiğini hatırlıyor. R. Strauss'un Electra galasında, Electra için planladığı bir kadın şarkıcının rolünün zorluğu nedeniyle görünüşünü bıraktığı bir skandal üretti. Öte yandan, İngiltere'de 20. yüzyıl operasını temsil eden İngiltere, şaheser P.Pears'ın lider rolünü yaptı ve tavsiyesiyle bir şaheser bıraktı. Bu nedenle, Peers olmasaydı, Britanya operasının kurulmayacağı söylenir. Wagner'in çalışması sadece yüksek ses seviyesine sahip bir şarkıcı tarafından gerçekleştirilebildiğinden, özellikle zengin bir sesi olan ve Wagner'in çalışmasının karakteri için uygun olan bir şarkıcıya <Wagner şarkıcısı> denir. Bir gelenek var.

Operayı selefi, Rönesans'ta İtalyan mahkemesinde düzenlenen müzikli şenlikli bir etkinlik olan Intermedio'ydu ( İntermezzo Bir opera şeklini alan ilk parça Péri tarafından bestelenen Daphne (1598) idi.Bununla birlikte, bu eser sadece parçalara aktarılıyor ve bugün müzik puanlarıyla tam formda kalan en eski eser, 1600 yılında Fransa Kralı IV. Henry ve Prenses Medici'nin evliliğini kutluyor. Perri'nin Floransa'da yaptığı “Euridice”. İlk opera, daha sonra Mantua mahkemesinde gerçekleştirilen Monteverdi'nin başyapıtı Orpheo da dahil olmak üzere mahkemenin ve aristokratların eğlencesiydi. Bununla birlikte, 1637'de ticaret kenti Venedik'te ilk kamu opera binasının açılmasından bu yana, iki hat ayrıldı: bir mahkeme etkinliği olarak lüks olan opera ve şirket olarak çalışan vatandaşların operası. . İmparatorluk operası, Lully tarafından Güneş Kralı XIV.Louis döneminde yaratılan derin bir Trajedi Sözü ile beş yönlü bir prologa dayanıyordu. Öte yandan, sivil operalar sevecen ve tarihi konuları ve gerçekçi ifadeleri severdi ve çizgi roman hikayeleri genellikle asil hikayelere dahil edilir.

Bu eğilim 18. yüzyılda Opera Seria ve Opera Buffa'ya bölündü ve başlangıçta geeky bir ziyafetle başlayan Opera Buffa, yüzyılın ikinci yarısında yavaş yavaş lirik unsurları birleştirdi. Bu aynı zamanda insanları eğlendiren melodramatik bir ilgiydi. Kampra ve Rameau gibi bestecilere sahip olan ve kendi opera stillerini koruyan Fransa hariç, 18. yüzyılda neredeyse tüm Avrupa'yı yöneten İtalyan tarzı operaydı. 18. yüzyılın operalarının genellikle A. Scarlatti ile başlayıp Mozart ile bittiği söylenir, ancak Mozart'ın başyapıtları arasında Figaro ve Don Giovanni'nin Evliliği, opera buffa akışını takip eden eserlerdir, Idmeneo, Opera ve Seria. Handel ve opera reformcusu olarak bilinen Gluck da İtalyanca metinden oluşuyordu. Başka bir deyişle, İtalyan ve İtalyan melodik melodisinin bu dönemin operasının resmi dilleri olduğu söylenebilir.

Bununla birlikte, daha önce de belirtildiği gibi, 18. yüzyılın ikinci yarısından itibaren, yükselen sivil sınıfa dayanan yeni bir metin türü, ana dili Almanya'da Jingspiel ve Fransa'daki Opera çizgi romanları gibi metin olarak. Ulusal bir opera yükselir. Bir örnek, Mozart'ın Viyana'daki bir tiyatroda gerçekleştirilen geç şaheseri “Magic Flute”. Bu tür opera, basit duygular, muhteşem çıkarlar ve kötü dünya ile iyi dünya arasındaki çatışma gibi ortak bir motif unsuruna sahiptir. Tam bir “kurtarma operası” haline geldi ve diğer yandan, Weber'in “Büyülü Okçu” nun tipik bir örneği olan ulusal bir romantik opera türüne yol açtı.

Yukarıda bahsedildiği gibi, 19. yüzyıl operası büyük sahne efekti olan “Büyük Opera” yönünde gelişmiştir. Bu eğilim, Rossini'nin William Tell ve Meyerbeer'in Huguenot adlı iki büyük ustası ve Alplerin kuzeyindeki Wagner ve güneydeki Verdi sanatıyla sonuçlandı. Her ikisi de 1813'te doğdu ve birbirinden haberdar olamadılar ama Verdi, Wagner'in kuzey sisi efsanesi ve efsanesi temasını seçti. Gerçek aşkın isyan, komplo ve kadere maruz kaldığı bir insan dramıydı. Şarkıcı ve sesin özü, Wagner'in tarzının aksine, sesin hafif motiflerin ve sonsuz melodilerin şiştiği bir yere sürüklendiği Verdi örneğinde orkestra kullanımının özüdür. . Birincisi, sahne temizliği kutlamasının altyazısı ile birlikte kendi kendine yapılan bir kaburga, “Nepal'in Parmak Yüzüğü” ve “Parsifal” tarafından yapılan büyük bir dörtlüdür ve ikincisi Süveyş Kanalı'nın açılışını anan “Aida” ya dayanmaktadır. ve Shakespeare'in oyunları. "Otello" ve "Falstaff" yaşam boyu sanatsal aktiviteleri pekiştiren çalışmalardır.

Verdi ve Wagner'den bu yana, artık romantik opera bestecileri karşılaştırılabilir bulunmadı. Almanya'da Wagner tarzı teknikleri masal dünyasıyla birleştiren Humperdinck'ten Hansel ve Gretel var ve İtalya'da Mascagni'nin alt vatandaşların yaşamına konu olan ve basit bir gerçeklik hissi veren “Cavaleria Rusticana” . Leon Caballo'nun Pariaci ortaya çıktı. Ama Mascagni ve Leon Caballo tarafından Verizmo (Gerçekçilik) Opera başarısı sadece geçiciydi ve 18. yüzyıldan beri İtalya'da yetiştirilen Bel Canto şarkı geleneğini devralarak lirik melodilerin son zirvesini inşa eden «La'nın» ・ Boheme ve Madame için bilinen Puccini Kelebek.

Öte yandan, İtalya ve Almanya arasındaki Fransa'da Berlioz, 19. yüzyılın ilk yarısında aktif bir rol oynadı, ancak yüzyılın ikinci yarısında, canlı müzik ve egzotik bir tada sahip canlı müzik, Bizet'in Carmen'i kendi müziğini açtı sınırları. Masney'in lirik operası ve Charpentier'in Louise'i, Paris'teki sivil hayatın acılarını tasvir etmesine rağmen, sevilebilir işler olmasına rağmen, bazı temel güçlerden yoksundurlar.

19. yüzyılın sonlarındaki romantik operaların önemli bir özelliği, majör ve minör anahtarların tonlarına dayanan uzun ömürlü lirik melodi ve onu destekleyen fonksiyonel uyum ve orkestranın tam kullanımıydı. Genel olarak, 20. yüzyıl operası böyle romantik operaya karşı bir antitez niteliğindedir. Opera tarihinde modernizmin kapısını açan izlenimci bir besteci olan Perez ve Melisand'a, fısıldayan melodi ve esnek ritimler hakimdir ve orkestra, tınıların ince ve karmaşık bir tonudur. Aç. Almanya / Avusturya'da, R. Strauss, Salome tarafından ve olağandışı bir şekilde Electra tarafından kırılan şehvetli bir ifade ile Wagner'in akışından yararlanan büyük bir orkestrayı tam olarak kullanıyor. Dünyayı açtı. Bununla birlikte, Gül Şövalyeleri'nde dizginler, yukarıdaki çalışmada görülen dışavurumcu eğilim üzerinde tekrar sıkılaştırılır ve zarif şehvetli sofistike ve yarı-eski moda eğilimler ortaya çıkar.

Bunu sınırlayan iki büyük savaş arasındaki dönem caz dilinin (Stravinsky'nin Askerinin Hikayesi, Kurchenek'in Johnny Plays), ilkelcilik (Orff'un Carmina Burana), etnik köken İlkesi gibi bestecinin çeşitli eğilimlerini yansıtan opera (Bartok'un Mavi Sakal Kalesi) ve neoklasisizm (Strabsky'nin Edips Kralı), tonlar ve uyum fonksiyonları oluşturuldu. Bilerek inkar etmeyi reddeden on iki ton tekniği ( On iki tonlu müzik ) Opera yükselişe geçtiği zamandır. Bu tekniğin öncüsü olan Schonberg, Musa ve Aaron'a sahipti ve öğrencisi Berg başyapıtı Wotseck'ten ayrıldı. Bu çalışmada, öngörülmesi zor yaşam dürtülerinin yönlendirdiği insanlık trajedisi çok gerçekçi bir şekilde tasvir edilmiştir ve melodi şarkı söyleme ve anlatımının ortasında olan Spreechtimme söyleme yöntemi de etkili bir şekilde kullanılmaktadır. Daha fazla şarkı söylese de, İtalya'daki Maripiero'nun "Gece Uçuşu" da aynı dönemin on iki ton tekniği ile yapılan bir çalışmadır. İki savaş arasındaki dönemde, Gershwin'in ABD'de siyah maneviyatları ve caz dilini benimseyen “Poggy ve Beth” başarılı oldu ve Britanya'da İngiltere'nin << Peter Grimes ortaya çıktı.

II. Dünya Savaşı sonrası Opera, yeni stillerin geliştirilmesi açısından her zaman zengin değildir. Kafem'in varoluşçu edebiyatıyla bağlantılı olarak Ainem'in "Yargı" ve Henze'nin "Ülke Doktoru" gibi konuşulan birçok eser olmasına rağmen, kapalı bir sahnede izleyicilere sunulmaktadır. Çünkü operaların geleneksel biçimi modern avangard besteciler tarafından terk edilme eğilimindedir. Bununla birlikte, çeşitli şehirlerdeki opera tiyatroları büyük miktarda birikmiş repertuar ve bazı çağdaş eserler ele geçirdi, üretim tarafına yeni fikirler ekledi ve sivil yaşamda önemli bir yer tuttu. işgal ediyor.

Japonya'daki opera performansı, 1903'te Tokyo Müzik Okulu Konser Salonu'nda Gluck'un “Olfoyce (Orfeo ve Euridice)” ne kadar uzanıyor. Daha sonra Meiji ve Taisho dönemlerinde İmparatorluk Tiyatrosu ve Asakusa Operası gibi çeşitli etkinlikler düzenlendi, ancak Showa döneminde Japon Tiyatro Şirketi ve Yamada Kou'daki Fujiwara Opera Şirketi'nin faaliyetleri tam hızdaydı. İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra Nagato Miho Opera Şirketi, Kansai Opera Şirketi ve Ninkai, özellikle Fujiwara Opera Şirketi ve Ninkai, Japonya'da opera kurma çabalarını sürdürdüler. Bu arada Japon bestecilerin yeni eserleri ortaya çıktı ve Danuma Takuma'nın “Yutsuru” ve Kiyomizu Kaoru'nun “Shuzenji Monogatari” gibi diğer ülkelere tanıtılan eserler de ortaya çıktı. Bununla birlikte, Batı ülkelerinde olduğu gibi hala bir opera binası yok ve seyirci seferberliğinde bile, bir kıyafetin bir veya iki gecede bittiği durum Japonya'daki operaların geleceğidir. Büyük bir sorun teşkil ettiği söylenmelidir.
Kozo Hattori