teatro

english theatre

buod

  • ang kilos na gumagamit ng tabak (o iba pang armas) masigla at mahusay
  • ang pagkilos ng pag-play para sa mga pusta sa pag-asa na manalo (kabilang ang pagbabayad ng isang presyo para sa isang pagkakataon upang manalo ng isang premyo)
    • Nagkakahalaga ang kanyang pagsusugal sa kanya ng isang kapalaran
    • Nagkaroon ng mabigat na pag-play sa mesa ng blackjack
  • aktibidad ng mga bata na ginagabayan nang higit sa imahinasyon kaysa sa mga nakapirming patakaran
    • Naniniwala si Freud sa utility ng pag-play sa isang maliit na bata
  • ang aktibidad ng paggawa ng isang bagay sa isang napagkasunduang sunud-sunod
    • ito ang aking tira
    • ito pa rin ang aking paglalaro
  • gay o masayang-masaya na aktibidad para sa libangan o libangan
    • ito ay tapos na lahat sa paglalaro
    • ang kanilang pagsasayaw sa surf ay nanganganib na maging pangit
  • isang sinasadya na kilusang nauugnay na nangangailangan ng kagalingan ng kamay at kasanayan
    • gumawa siya ng isang mahusay na mapaglalangan
    • ang runner ay nasa isang pag-play ng shortstop
  • isang preset na plano ng pagkilos sa team sports
    • pinalabas ng coach ang mga dula para sa kanyang koponan
  • isang pagtatangka upang makakuha ng isang bagay
    • gumawa sila ng walang saysay na pag-play para sa kapangyarihan
    • gumawa siya ng isang tawad upang makakuha ng pansin
  • pakikilahok sa mga teatrical productions bilang isang extracurricular activity
  • isang aktibidad na nakatayo bilang isang katumbas ng isang bagay o mga resulta sa isang katumbas
  • paggamit o ehersisyo
    • ang paglalaro ng imahinasyon
  • ang pagkilos na kumakatawan sa nakatayo sa para sa isang tao o ilang grupo at nagsasalita na may awtoridad para sa kanila
  • isang paglikha na isang visual o nasasalat na pag-render ng isang tao o isang bagay
  • isang gusali kung saan maaaring ipakita ang theatrical performances o motion-picture shows
    • ang bahay ay puno
  • ang kalidad ng pag-aaresto o lubos na emosyonal
  • kilusan o puwang para sa paggalaw
    • napakaraming pag-play sa manibela
  • ang karapatan ng pagiging kinatawan ng mga delegado na may tinig sa ilang pambatasan na katawan
  • isang pagtatanghal sa isip sa anyo ng isang ideya o imahe
  • ang pampanitikang genre ng mga gawa na nilayon para sa teatro
  • isang pahayag ng mga katotohanan at mga dahilan na ginawa sa apela o pagprotesta
    • Ang ilang mga representasyon ay ginawa tungkol sa brutalidad ng pulisya
  • pandiwang pagpapatawa o pangungutya (kadalasan sa gastusin ng iba ngunit hindi dapat seryoso)
    • naging masaya siya
    • Sinabi niya ito sa isport
  • isang pagganap ng isang pag-play
  • ang sining ng pagsulat at paggawa ng mga pag-play
  • isang dramatikong gawain na inilaan para sa pagganap ng mga aktor sa isang yugto
    • sumulat siya ng ilang mga pag-play ngunit isa lamang ang ginawa sa Broadway
  • isang teatro na pagganap ng isang dula
    • ang dula ay tumagal ng dalawang oras
  • isang makatotohanang pahayag na ginawa ng isang partido upang hikayatin ang ibang partido na pumasok sa isang kontrata
    • ang kontrata ng pagbebenta ay naglalaman ng ilang mga representasyon ng vendor
  • isang sadyang pagpapakita ng emosyon para sa epekto
  • isang episode na magulo o lubos na emosyonal
  • isang mahina at matindi na ilaw
    • ang shimmer ng mga kulay sa iridescent feather
    • ang paglalaro ng ilaw sa tubig
  • isang katawan ng mga mambabatas na nagsisilbi sa ngalan ng ilang mga konstitusyon
    • Isang congressional vacancy ang naganap sa representasyon mula sa California
  • isang rehiyon kung saan ang mga aktibong operasyong militar ay nasa progreso
    • ang hukbo ay nasa larangan na naghihintay ng pagkilos
    • naglingkod siya sa teatro ng Vietnam sa loob ng tatlong taon
  • ang pag-alis ng mga hadlang
    • nagbigay siya ng libreng tubo sa kanyang mga salpok
    • nagbigay sila ng buong pag-play sa talento ng artist
  • ang estado ng paglilingkod bilang isang opisyal at awtorisadong delegado o ahente
  • isang estado kung saan ang aksyon ay magagawa
    • naglaro pa rin ang bola
    • sinabi ng mga tagaloob sa stock ng kumpanya
  • ang oras kung saan naglalaro ang pag-play
    • ulan tumigil sa pag-play sa ika-4 na inning

Pangkalahatang-ideya

Ang teatro o teatro ay isang collaborative na anyo ng pinong sining na gumagamit ng mga live performer, karaniwang aktor o actress, upang ipakita ang karanasan ng isang tunay o naisip na kaganapan bago ang isang live na madla sa isang partikular na lugar, madalas na isang yugto. Maaaring ipaalam ng mga performer ang karanasang ito sa madla sa pamamagitan ng mga kumbinasyon ng kilos, pananalita, awit, musika, at sayaw. Ang mga elemento ng sining, tulad ng pininturahan na tanawin at stagecraft tulad ng pag-iilaw ay ginagamit upang mapahusay ang physicality, presence at immediacy ng karanasan. Ang tiyak na lugar ng pagganap ay pinangalanan din ng salitang "teatro" na nagmula sa Ancient Greek θέατρον (théatron, "isang lugar para sa pagtingin"), mula mismo sa θεάομαι (theáomai, "to see", "to watch" upang obserbahan ").
Dumating ang modernong teatro sa Western, mula sa sinaunang Griyego drama, mula sa kung saan ito humiram ng teknikal na terminolohiya, pag-uuri sa mga genre, at marami sa mga tema nito, stock character, at mga elemento ng lagay. Ang teatro artist na si Patrice Pavis ay tumutukoy sa theatricality, theatrical language, stage writing at ang pagiging tapat ng teatro bilang magkasingkahulugan na expression na iba-iba ang teatro mula sa iba pang mga gumaganap na sining, panitikan at ang mga sining sa pangkalahatan.
Kasama sa modernong teatro ang mga pagtatanghal ng mga pag-play at musical theater. Ang art forms ng ballet at opera ay din teatro at gumamit ng maraming mga convention tulad ng kumikilos, costume at pagtatanghal ng dula. Sila ay maimpluwensiyahan sa pagpapaunlad ng teatro sa musika; tingnan ang mga artikulo para sa karagdagang impormasyon.
Sa salitang <drama>

Ang salitang "drama" ay nagmula sa Intsik, tulad ng nakikita sa isang uri ng teorya ng drama "Liquid Encounter" na isinulat ni Lee Yu sa simula ng Qing. Matapos ang panahon ng Meiji, naipalabas ito sa isang expression (genre) ng Western art. Ayon kay Koji Morohashi << Dakanwa Diksiyonaryo >>, isang sining kung saan ang mga aktor ay gumawa ng iba't ibang mga sangkap sa entablado at nagsasagawa ng iba't ibang mga aksyon sa harap ng madla, batay sa senaryo na isinulat ng may-akda. Shiba-an. Kyogen. Isang gawain. kabuki. Maglaro. Gayundin, ang "drama" ay inilarawan, at ang "drama" ay inilarawan sa "drama" bilang "pag-awit ng katotohanan, matapos na matagumpay, pagkakaroon ng isang serif", at walang diyalogo. Samakatuwid, ang salitang "drama" ay nauna sa "serifu" at "salaysay". Ayon sa komentaryo na ito, ang teatro ay hindi tumutukoy sa gumaganap na sining sa pangkalahatan, ngunit mayroon pa rin itong isang katanungan kung sapat na ba ito.

Sa pamamagitan ng paraan, ang salitang "drama" ay unang ginamit sa Japan, ayon sa iskolar ng teatro na Masakatsu Gunji, sa pagtatapos ng panahon ng Edo. Noong 1870 (Meiji 3), ang talambuhay ni B. Lytton ng "Nishi-National ed." Sabi, "Pumunta tayo sa piging at tamasahin ang drama". Una. Ang "drama" ng "Nishi-Nishishi" ay tumutukoy sa lahat ng gumaganap na sining na kaibahan sa mga nobela at tula, samantalang ang "drama" ng Shitei Sanma kabuki At natanggap ang Ministri ng Edukasyon Kilusang pagpapabuti ng teatro Ang paksa ng> ay din ni Kabuki. Sa madaling salita, ang salitang teatro ay ginagamit sa paggawa ng makabago ng sining ng Japanese na gumaganap = westernization, dahil ginamit ito kasabay ng isang pagtatangka upang mapagbuti ang Kabuki gamit ang modernong Western teatro bilang isang modelo. Noh Ang ilang mga tao ay nagsabing ang Noh ay hindi isang teatro. Sa tuktok ng iyon, dahil ang kanji ng "drama" ay may kahulugan ng "galit na galit" mula sa ideolohiyang ipinaglalaban ng mga tigre at mga pakpak, ang kahulugan ng wikang Hapon ay tahasang nagbabasa ng "paglalaro ng matitinding salungatan at salungatan". Ito ay tapos na, at marahil ay nagresulta sa pagtugon sa ilang uri ng drama sa Kanluran sa maraming tao. Ang teatro at pagganap ng teatro ay maaaring sumangguni sa parehong yugto ng pagpapahayag, ngunit ang pagpapaunlad ng visual ay binibigyang diin para sa drama at ang salungatan / salungatan na kaso ay binigyang diin para sa drama. Maaaring sumangguni sa istruktura ng tunggalian (tulad ng "Inner Drama").

Kung ginamit namin ang salitang teatro bilang isang saligan ng konsepto ng wikang European, ano ang wikang European na iyon at kung ano ang ibang salita ay ihahambing ito? Tulad ng napagkasunduan ng maraming mga diksyonaryo, ang "drama" ay halos isang pagsasalin ng teatro sa Ingles, Pranses na teatro, at Aleman na Theatre. Parehong mga salitang ito ay nagmula sa salitang Griego na "theatron", na nangangahulugang "lugar na makikita," at ipahayag ang buong bahagi. Gayunpaman, ang pagkalat ng kahulugan ay naiiba sa pagitan ng mga wika ng bawat bansa, at pareho ito sa lahat ng mga wikang pambansa na ang <teheter ng teatro> ay nagiging <theatre>. Ito ay sa Pranses na maaari itong sumangguni sa drama ng manunulat. Bilang karagdagan, ang drama ng Griyego (drama, kahulugan ng pagkilos), na mahalaga kasama ang mga theatron mula sa pinagmulan ng salitang Greek at kumakatawan din sa kabuuan sa mga bahagi, ay isang yugto na may mga character at character sa English drama (drama). Ang salitang "drama" sa Pranses ay tumutukoy sa nilalaman ng akda, o isa sa mga drama pagkatapos ng ika-19 na siglo Romanticism na nagmula sa civic drama na inangkin ni Diderot noong ika-18 siglo. Tumutukoy sa genre (kahit na ang adjective dramatique ay maaaring magamit nang mas malawak). Ang dula na ginamit sa kontekstong Hapon ay isang drama sa Ingles. Gayunpaman, sa mga nakaraang taon, sa Ingles, ang teatro ay may posibilidad na magamit nang mas mabuti kapag nakatuon sa mga resulta ng pagpapahayag ng entablado sa halip na ang halaga ng isang pag-play bilang isang pag-play.

Maraming iba pang mga salita para sa pagganap ng teatrikal, at bilang paliwanag ng Italyanong simbolo na si U. Eko, ang pagkakaiba-iba ng mga salita ay nagpapahiwatig na ang bagay mismo at ang punto ng pagtingin na may kaugnayan dito ay magkakaiba. Halimbawa, ang pagpapahiwatig, na kumakatawan sa "pagganap ng entablado" sa Pranses, ay muling nagre-kwento ng isang kuwento sa pamamagitan ng pagpapalit ng ibang tao na hindi ang taong nabubuhay (o isang kahalili, tulad ng isang manika). Ang kinatawan ay <reproduction = proxy = representation> bilang isang mekanismo. Sa kabilang banda, ang palabas sa Ingles o ang spectacle ng Pransya ay kumakatawan sa pinaka pangunahing katangian ng isang pag-play bilang isang "palabas". Bilang karagdagan, ang paglalaro ng Ingles o Pranses jeu ay binibigyang diin ang <playability> at <fictionality> na ginanap sa entablado, at ang pagganap sa Ingles ay katulad nito. Ang mga espesyal na kasanayan sa pisikal na kinakailangan para sa <drama> at ang kanilang mga resulta ay itinuturing na mga problema.

Kahit sa wikang Hapon, theatron, ang salitang tumutukoy sa pagganap ng sining kasama ang mga manonood, ay < maglaro >. Ito ay isang kaakit-akit na sayaw na naging tanyag mula sa katapusan ng panahon ng Heian hanggang sa Middle Ages, batay sa katotohanan na ang manonood ay nasa damuhan sa mga presinto ng templo at dambana. Bilang karagdagan sa kakayahang kumatawan ng kathang-isip na kathang-isip na kathang-isip. Para sa <Play> at <Fake Appearance>, <Iyon ay isang play>, at sa paggalang na ito, humahantong ito sa <Kyogen> sa kaso ng <Kyogen Suicide>. Gayunpaman, mula sa memorya ng 300 na taon ng Edo, kahit na ang salitang "paglalaro" ay hindi lamang tumutukoy kay Kabuki, kasama rin dito ang isang uri ng pagiging makaluma at mga espesyal na kasanayan ng manggagawa. Kapag ginagamit ang salitang ito, mayroong isang pag-unawa sa tacit na maihahambing sa artisan na kasanayan ni Kabuki. < yugto > Tumutukoy hindi lamang sa isang tiyak na espasyo sa teatro, ngunit sa kabuuan ng kung ano ang gumanap doon at kumikilos mismo, at ang <entipikasyon ay maaari ring pangkalahatang tumukoy sa sining ng pagganap bilang isang palabas.

Mga kondisyon ng teatro at mga sangkap

Tulad ng ipinakita ng pinagmulan ng Europa nito at ang Japanese <theatrical performance>, ang pagganap ng teatro ay una sa lahat ng iyong nakikita at ipinapakita, at ito ang kakanyahan ng pagtitipon ng mga manonood at manonood> sa iisang puwang ng katotohanan. Mga aktibidad sa lipunan. Sa kasong ito, ang "ipakita" ay naiiba sa mga kuwadro na gawa at mga eskultura sa kondisyon na ang isang buhay na tao (o isang kahalili, halimbawa, isang manika) ay kumikilos sa isang tiyak na paraan. Ang limitasyon ng <ano ang ipakita = mga manlalaki> ay ang mga hayop at mga taong may kapansanan ay nasa isang poste, at sa kabilang banda, ang buhay ng mga partido ay tumaya tulad ng isang sinaunang Roman manlalaban (Gradiator), o Maaari itong maisip bilang isang pampublikong pagpapatupad na may iba't ibang mga ritwal, ngunit ang prinsipyo ay upang ipakita ang kathang-isip na pag-uugali kaysa sa tunay na pag-uugali sa buhay mismo. Nangangahulugan ito na mayroong "mga bagay na dapat gampanan" na ipinapakita.

Sa ganitong paraan, <ang manonood>, iyon ay, ang manonood (paningin, tagapakinig), ang taong gumaganap at nagpapakita, iyon ay, ang performer (artista, artista, artista), at ang puwang na pinagsasama ang dalawa, ang teatro, Dramaturgie (Dramaturgy, Aleman), dramaturgie (Dramaturgie) sa kahulugan ng "gumanap" ng tagapalabas, iyon ay, "ang pamamaraan ng pag-iipon ng pag-uugali at mga resulta nito", Pranses) ang apat na mahahalagang elemento para sa teatro. Ang drama ay hindi palaging ipinahayag sa mga character, ngunit kung ano ang ipinahayag sa mga character ay tinatawag na <script> o <drama>.

Ang tiyak na anyo ng apat na sangkap na ito at ang ugnayan sa pagitan ng apat na elemento ay naiiba depende sa kultura, at sa mga oras at rehiyon, ngunit ang mga sumusunod ay maaaring ipalagay bilang mga problema. Anong uri ng lipunan ang pag-aari ng madla, at kung ano ang pagganyak na pumunta sa teatro (bukas ang teatro sa lipunan sa kabuuan, maging monopolyo o monopolyo, at isang relihiyosong karanasan) Kung naghahanap ka ng isang bagay na malapit sa , hangarin ng kasiya-siyang kasiyahan, libangan, intelektuwal na kasiyahan, atbp.). Kung ang <actor> ay isang baguhan o propesyonal na inhinyero, o isang artista na isang propesyon, kung paano organisado ang samahan, kung ano ang katayuan sa lipunan, at kung ano ang mga elemento ng pag-play (salita, kilos), Mga Kanta, sayaw, atbp .), anong uri ng istilo, anong uri ng pagsasanay ang kinakailangan? Ang <Heater> ay pansamantala o permanenteng, kung anong uri ng puwang sa lipunan ang matatagpuan, anong uri ng oras sa pag-andar sa buhay panlipunan, ano ang kaugnayan sa pagitan ng entablado at mga upuan ng madla sa teatro, at ang istraktura ng entablado Ano ang mga elemento at ano ang prayoridad (kagamitan, aparato, ilaw, kasuutan, mask, pampaganda, atbp, at ang ugnayan sa pagitan ng mga pagtatanghal ng teatro) at ang samahan ng teatro / porma ng libangan (bayad o walang bayad), Paano mapapakilos ang madla, subsidyo, atbp. .). Sino ang o isusulat nang maaga, kung ano ang nakasulat, anong kaugnayan ang isinasagawa ng script sa panitikan bilang isang dula, at sino ang tumutukoy sa ugnayan sa pagitan ng teksto at yugto ng ekspresyon Paano? Sa huli kung ano ang function ng teatro sa loob ng isang kultura, at kung ano ang posisyon nito ... Siyempre, ang mga tanong ay hindi naubos, at nangangailangan ng maraming kaalaman at papel upang masagot ang mga katanungang ito ayon sa mga tiyak na halimbawa. Samakatuwid, sa seksyong ito, ang mga katangian na itinuturing na maging batayan ng kilos at karanasan ng drama, na isinasaalang-alang ang itaas na apat na mga kadahilanan at ang kanilang ugnayan, pangunahin ang paghiram ng mga kongkretong halimbawa mula sa teatro ng Hapon at teatro sa Kanluran, Subukang ilarawan.

Duality ng visual na madla

Si P. Brooke, isang kontemporaryong direktor ng British na naging aktibo sa Pransya mula noong katapusan ng 1960, ay inilarawan ang mga sumusunod sa kanyang "Wala sa Space". <Isang puwang na maaaring magamit kahit saan at walang anuman. Isang tao ang naglalakad at ang ibang tao ay tumitingin dito. Ito ay dapat na sapat para sa aksyon theatrical na maganap>. Ito ay isang kamangha-manghang tanawin bilang isang pangunahing karanasan sa drama, ngunit upang ang sitwasyong ito ay maging isang teatro na pagganap, hindi lamang ang mga kumikilos at ang mga nakakakita nito. Ang katotohanan ng taong kamukha nito ay isang aksyon na kahit papalayo (sa diwa, hindi totoo, at kung hindi ito mali, sa sitwasyong ito ay isang kathang-isip na pagkilos) Kinakailangan na magkaroon ng isang relasyon ng pag-unawa at paniniwala dito. Isaalang-alang natin ang halimbawa ni Brooke nang isang hakbang pa, kasama ang isang tao na nagpapatupad ng gutom, takot, mahal ang kaligayahan at kalungkutan, at ibang tao na nakatitig dito. Ito ay magiging nakakatawa kung bibigyan ng manonood ang kagutuman ng lalaki upang mapalitan ang katotohanan sa tinapay, ngunit sa kabaligtaran, kung siya ay nasa harap ng isang tao na gutom hanggang kamatayan sa katotohanan, magiging isang problema upang makita ito nang tahimik. Ito ay magiging. Sa kahulugan na iyon, ang ugnayan sa pagitan ng tagapalabas at ang manonood ay isang solong laro sa unang lugar, ngunit ang kathang-isip na kalikasan ng pag-play na ito ay tinusok ng hindi bababa sa dalawang magkasalungat na pagnanasa sa bahagi ng manonood, at banta ito ng ito. Kung ipinahahayag natin ito sa mga konsepto ng assimilation at catabolism, una, sa loob ng madla, mayroong isang pagnanais para sa pagkakapantay-pantay sa pagitan ng fiction at realidad na <kung ano ang nakikita mo ay malapit sa katotohanan, kung ito man ay katotohanan mismo> Mayroong pagnanais na ganap na mapanghawakan ang kanyang nakikita, at ang dating ay matatagpuan sa mga sinaunang mandirigma ng Roma at mga pinapatay na publiko na nabanggit na, at ang mga palabas sa porn sa modernong panahon. Humahantong ito sa ilusyon ng primordial form ng teatro, "Tikman ang isang pagkakaisa sa mabaliw na sayaw ng mundo." Kasabay nito, karaniwang kinikilala na ang gayong assimilation ay nasa loob lamang ng pangako ng teatrical performance, at pinapanatili nito ang isang iba't ibang pananaw upang makita ito sa isang lugar, na kung saan ay may kamalayan at intelektuwal. Kung ito ay nagiging trabaho B. Brecht Mangaral < catabolismo > Sa maraming mga kaso, pangarap lamang na pareho kang artista at manonood, at madalas kang nangangarap na alam mong ito ay isang panaginip. Gumagamit ito ng iba't ibang uri ng assimilation at catabolism, na katulad ng pagdoble ng pagkatao. Tama ang kahulugan na nabasa ni Freud ang isang malalim na ugnayan sa pagitan ng walang malay na representasyon (Luprezanthation) at pagganap ng theatrical (Luprezanthation).

Katangian ng theatrical illusion

Ito ang intrinsic duality ng theatrical illusion, na karaniwan sa iba pang mga karanasan sa artistikong, ngunit ang teatro ay binuo sa parehong puwang at oras sa pamamagitan ng mga pagkilos ng buhay na tao sa tunay na espasyo. Samakatuwid, ito ay nagiging pinaka matingkad at tipikal na anyo ng <reproduction = illusion>. Gayunpaman, kung ano ang nakikilala at nagpapakilala sa isang theatrical illusion ay ang pangitain ng gayong pag-iilaw ay hindi lamang isang indibidwal na karanasan bilang isang indibidwal, ngunit isang karanasan sa loob ng grupo. Ito ay naitakda bilang isang natatanging karanasan.

Simple man o may kamalayan, ang bawat manonood ay sabay-sabay sa entablado na may kaugnayan sa pangkalahatang kalagayan ng hanay ng mga manonood nang sabay-sabay, at positibo sa tagapakinig Kapag may isang malinaw na tugon, negatibo man o positibo. mahirap makaligtaan ito at gawin ang iyong sariling ilusyon bilang isang manonood. Mula roon, ang ideya ng "kadiliman ng mga upuan ng madla" ay nilikha, kung saan ang entablado lamang ay pinangungunahan ng puwang ng teatro upang puksain ang madla sa mga madla. , Nasa Wagner Nalaglag ang mga upuan ng madla sa teatro ng Bayreuth festival. Sa madaling salita, pinuputol nito ang mga pahalang na koneksyon ng madla at sinusubukan na ikonekta ang pang-unawa ng bawat tagapakinig sa entablado lamang (ang panimulang punto ng mundo ng telebisyon at audio).

Ngunit sa orihinal, ang madla ay dumating sa teatro upang lumahok sa mga espesyal na kolektibong aktibidad. Sa una, ang teatro ay hindi palaging at saanman habang ang lipunan sa kabuuan ay sumunod sa istraktura ng oras ng sekta at pag-aayos ng spatial. Ang dakila ng sinaunang Athens Dionysia Festival European medieval sagradong pangkasaysayang drama (< Dula sa relihiyon Ang panahon ng teatro ay nakasalalay sa kalendaryo at lugar hanggang sa pagpapakita ng lungsod (1) na gaganapin na may kaugnayan sa holiday ng santo sa monasteryo, at sa Europa, ito ay ganap na Ang pagtatatag ng sekular na kapangyarihan ng monarkiya, ang secularization ng kultura , at ang pag-iingat ng oras at lugar ng teatro ay magkatulad. Ngunit gayunpaman, ang teatro ay nagpapanatili ng isang bagay na tulad ng kakaibang ito ng maligaya na oras at puwang, iyon ay, ang katangian ng paghihiwalay mula sa pang-araw-araw na buhay (sa Latin, "St Narmono" ay mahalagang "off". Ito ay nangangahulugan na pantay na ibinahagi ng pareho ang tagapalabas at ang manonood. Ang dula ay "Hare", at nang ang bayan ay napapalibutan ng gilid ng lungsod bilang isang antiworld sa panahon ng Edo, humantong ito sa isang mas kapana-panabik na memorya ng pagdiriwang.

Gayunpaman, kahit na ang teatro ay isang kolektibong karanasan, naiiba ito sa pakiramdam ng pagkakaisa na ang pagdiriwang ay mayroong <indibidwal na nagkakaisa sa buong pamayanan>. Hindi bababa sa isang pakiramdam ng pagkakaisa sa teatro ay itinatag lamang sa pamamagitan ng pagtingin dito, hindi tulad ng kolektibong kalayaan at kolektibong mga sayaw na sama-sama tulad ng Dionysus (Baccos) 's Shinjo at Carnival, at Naganaga's (1096-97) Daejeon at Nembu Dance. meron ba.

Assimilation sa pamamagitan ng pagtingin

Ngunit paano nangyayari ang asimilasyon sa pamamagitan ng nakikita? Kaugnay nito, ang Aleman na dramatista na si Arthur Kutscher (1878-1960) 's Teorya ng Mimik ng Gesturing Expression' ("Theatrics of Play") ay nagbibigay ng isang susi. Sa madaling salita, ang aktor at ang tagapakinig ay orihinal na may parehong karanasan sa pagkilos, at ang aktor ay gumagawa ng "kilos na kilos bilang isang nakikitang kilos" at ang tagapakinig ay sikolohikal na ginagawa "ang ekspresyon ng kilos bilang isang kilos na hindi nakikita". meron ba. Sa ilang mga aspeto, naaayon ito sa kaalaman sa etnolohiko at kasaysayan ng drama tungkol sa mga primitive na porma ng teatro. Halimbawa, upang makontrol ang kapangyarihan na lampas sa mga tao, mahalaga na tularan ang simbolikong pag-uugali ng mga kapangyarihang iyon at umasa sa mga tao, at sa oras na iyon, ang maskara ay may mahalagang mahiwagang kapangyarihan. Ito ang mahalagang papel na ginampanan ng "awit at sayaw" sa teorya ng mga "mahiwagang imitasyong gawa" at ang tinatawag na folklore ritwal sa Africa at ang bagong kontinente (ito rin ang kaso ng Great Dionysia festival sa sinaunang Athens) ( Bilang tugon sa unang dalawang araw, ang himno ng Dionysos na tinatawag na dithyrambos ay isinagawa sa anyo ng isang pangkat ng sayaw). Sa madaling salita, ang teorya ni Kutcher ay nahiwalay mula sa primordial hypothesis na ang ekspresyon ng kilos lamang ay ang primordial form ng drama, at mula sa pananaw na ang mga salita ay mga pisikal na gawa rin> tulad ng mga pangaral ng phenomenology ni Merlo Ponti. Dahil ito ay epektibo sa unang pagkakataon, walang duda na ang <Song / Mai> ay gumaganap ng isang tiyak na papel sa kolektibong assimilation. Hindi alintana kung ang opera na si Bel Kant o Samurai, Yoshita o Enka, ang awit mismo ay madalas na gesturing, at ang butoh ay suportado ng musika (sa diwa, Nietzsche ay nakita ko ang pagsilang ng trahedya bilang isang pangkalahatang teorya, hindi bilang isang makasaysayang katotohanan).

Tiyak, ang teoryang ito na imitasyon> ay nagsasalita ng isang mahalagang aspeto na bumubuo ng batayan ng isang karanasan sa teatrikal, na katulad ng ontogeny na paulit-ulit na phylogeny. Pinag-usapan ni Freud ang kasiyahan ng pag-aaral sa pamamagitan ng trahedya, na nagsasabing <masochism na kakaiba sa nakikita ang pagganap ng theatrical>, ngunit kung baligtad ito, maaaring magkaroon ng relasyon ng erotikong visualismo bilang visual sadism. Iyon ang dahilan kung bakit ang <seeing> mismo ay nakapaloob sa ritwal, at <ang sagradong eksena na hindi dapat makita> ay palaging umiiral. Ang pag-igting sa pagitan ng pagnanais na "makita" (at "makita") at ang kontraindikasyon ng "mga bagay na hindi dapat makita" ("mga bagay na hindi dapat ipakita") ay nagkakaroon din ng kahulugan.

Sa pamamagitan ng paraan, upang ma-assimilate kung ano ang ginagawa kapag nakita mo ang entablado, una sa lahat, paniwalaan man o hindi, ito ay isang intuitive at sensual pati na rin isang intelektwal at pagtanggap ng pakikilahok at pakikilahok. Ang posibilidad ay magiging isang problema. At kung ipinakita ito sa isang mapagkakatiwalaang paraan, hindi lamang kung o hindi ang <story> (tinawag ito ni Aristotle na Mythos at ginawa itong pinakamahalagang elemento ng trahedya) na ginampanan doon Kahit na mahalaga ito. Halimbawa, sa kaso ng Malarme, ang Wagner Theatre ay kumikilos bilang isang uri ng relihiyosong pagkatao, at ang tagapakinig sa tagapakinig ay ginagabayan ng pagkilos ng symphonic primordial bumalik sa "mito" at ang "representasyon" nito na nalulutas ang misteryo ng ang Aleman na pinagmulan. Ang teatro ay isang uri ng "gawa ng pananampalataya" kahit na hindi ito nilikha ng isang mekanismo upang mapalitan nang malinaw ang relihiyon. Gayunpaman, sinisikap ng mga tao na gawing artipisyal ito sa pamamagitan ng teatro, paglalaro at dramatismo.

Puwang ng teatro at lugar

Mula sa pananaw ng asimilasyon o pakikilahok, ang istraktura ng puwang ng teatro ay maaaring maiuri sa maraming paraan depende sa relasyon sa pagitan ng mga upuan ng madla at entablado. Limitahan ang paggamit ng mga teatro na bagay tulad ng mga pagtatanghal ng teatro na naging tanyag noong 1960, paghahalo ng teatro at madla sa parehong antas, at tinanggal ang pagkakaiba sa pagitan ng mga performer at manonood Bukod sa plano, anuman ang pansamantala o permanenteng, hangga't ito ay pansamantala o permanente, hangga't dahil ang teatro ay isang teatro bilang isang istraktura, ang form na pinaka-malakas na iniimbitahan ang asimilasyon ng madla ay ang pag-aayos kung saan ang mga upuan ng madla ay pumapalibot sa entablado. Ang isang klasikong Greek amphitheater ay isa sa mga kinatawan, na may isang hakbang na upuan na mas malaki kaysa sa semicircular na hugis upang palibutan ang isang pabilog na orkestra sa gitna (tinatawag na Amphitheater ). Ito ay nagiging isang semi-amphitheater, at ang lugar ng mga pag-urong sa pag-play upang harapin ang madla, dahil ang relihiyon ng balangkas ng pagganap (isang pagdiriwang kasama ang estado ng lungsod) ay nawala, at ang pag-play ay pulos ligtas mula sa Hellenistic panahon hanggang sa Roma, ito nagiging isang bagong libangan. O sa kaso ng isang banal na kasaysayan ng pagganap ng dula sa pamamagitan ng isang mayaman na mamamayan (bourgeoisie), lalo na sa isang bagong lungsod sa medyebal na Europa, ang pagkakalihim ng puwang mismo mula sa liturikal na dula sa loob ng simbahan patungo sa bakuran ng simbahan, at higit pa sa city square ang pagganap mismo. Ito ay isang proseso ng pagpapalakas ng maligaya na katangian ng lahat ng mga lungsod. Ika-14 na siglo ng British pahina Ang himala sa paglalaro ng uri ng mga floats (dashi) sa kalaunan ay nagbigay ng pamantayan para sa sekular na pagdiriwang ng pagmartsa patungo sa lungsod ng maharlikang pamilya, at ang ika-15 siglo ng Aleman na may ilang mga kuwadra na nakapaligid sa parisukat Ay isang maligaya na puwang na naipalabas sa pakikilahok ng kilusan ng madla. Sa ika-15 siglo sa hilagang kanluranin ng dakilang sagradong kasaysayan ng Pransya (nagsasalita ng 50,000 mga linya ng tula sa loob ng tatlong linggo), ang teatro ay nagbago sa isang palaruan sa gitna, at ang mga upuan ng madla ay napapalibutan nito sa isang bilog, na sa oras na ito théâtre (Teartle) ay nangangahulugang < sarado na lugar>.

Ang mga pahina at parada na nagbabago sa buong lungsod sa isang polymorphic teatro ay ibinahagi ang buong pagdiriwang sa pamamagitan ng paglahok at pagtingin sa bahagi, samantalang ang teatro ay isang saradong puwang. Bilang isang resulta, ang mga miyembro ng pamayanan ay nakakaranas ng isang pakiramdam ng pagkakaisa sa pamamagitan ng nakikita ang kabuuan ng banal na kwento na muling ginawa ng fictionally. Sa pamamagitan ng paghiwalay at sarado mula sa iba pang mga bahagi ng lipunan, ang puwang na ito na lubos na pribilehiyo at isinama sa isang mataas na antas ng simbolikong pagpapaandar ay isang pampublikong hukuman na tanyag sa buong Pransya mula sa pagtatapos ng ika-16 na siglo hanggang ika-17 siglo. Lumilitaw din ito sa puwang ng pag-play ng ballet, at gumaganap ng isang papel sa pagkonekta ng magkasanib na ilusyon ng parehong panahon sa pagtatatag ng ganap na pagkahari sa pamamagitan ng simbolikong pagpapahayag ng paganong mitolohiya. Sa bansang Hapon, ang yugto ng Noh sa panahon ng Muromachi ay isang napakalaking uri ng upuan, at isang pier ang itinayo sa paligid nito, ngunit ang memorya na iyon ay nananatili sa kasalukuyang yugto ng Noh mula nang ito ay naging seremonya ng Edo Shogunate Gayunpaman, kahit na matapos na si Kabuki ay nakapaloob sa isang permanenteng teatro bilang isang "masamang lugar," ang pangunahing yugto, hindi lamang Hanamichi, ay inaasahang sa mga upuan ng madla sa panahon ng Edo. Tila may dalawang vectors: ang kakayahang sumipsip sa entablado at ang pagpasok ng bawat isa sa entablado at tagapakinig, ngunit gayon pa man, sa serye ng mga permanenteng sinehan na lumitaw sa Europa sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, ang Globe Theatre sa Elizabethan Dinastiya (nakatayo na bahay ni Shakespeare), atbp. Hang out stage ) Upang mapanatili ang istraktura ng pakikilahok sa mga huling pagdiriwang ng medieval. Sa kabilang banda, ang Teatro Olimpico (Olympico Theatre) na idinisenyo ni A. Palladio at ang Burgundy Theatre (Burgundy Theatre), ang unang permanenteng teatro sa Paris, mayroon nang pag-aayos sa entablado-sa-upuan.

Ang kapansin-pansin sa pagdating ng mga permanenteng teatro na ito ay sa isang banda, hindi mahihiwalay mula sa kataasan ng bagong paraan ng konsentrasyon para sa kapwa performers at manonood na nakasentro sa wika, dahil sa pagtatatag at pagkumpleto ng mga dula sa panitikan, at sa sa kabilang banda, Ito rin ay isang kaganapan na nagpapagana sa buong komprehensibong kasiyahan ng pantasya sa parehong mga aspeto ng audiovisual, tulad ng pagsasakatuparan ng mga malalaking sulok sa pamamagitan ng teknolohikal na pagpino ng mga istruktura ng entablado tulad ng opera at ballet at ang kanilang pagsasama sa mga pagtatanghal sa teatro.Isang yugto ng mukha na lumikha ng ganitong pagkita ng kaibahan sa loob ng Europa na natatangi sa Europa Yugto ng frame , Ngunit ito ay upang makulong ang kathang-isip na puwang sa entablado bilang isang "magic box" sa pamamagitan ng paggamit ng paraan ng pananaw. Pang-apat na pader Lumilikha ito ng isang "pagsilip" ng view ng isang ika-19 na siglo realistang drama na sumasalamin sa mga saradong pintuan. Gayundin, kahit na ang mga mukha ng mukha, ang mga upuan ng madla ay madalas na may pier na hugis-kabayo, at ang mga upuan ni Kiken ang pinaka nakikita, tulad ng front pier, at ang mga upuan ng madla mismo ay may kakaibang hierarchy ng lipunan. Ito ay isang paningin na sumasalamin sa. Sinubukan ng maligaya na teatro ng Wagner na tanggihan ang gayong teatro sa pamamagitan ng paggaya sa upuan ng hagdanan ng isang sinaunang Greek teatro na isang maligaya na koalisyon, at paglubog ng madla sa kadiliman. Ang ugnayang polymorphic na nabanggit kanina ay konektado din sa karanasan sa teatro ng mga specialty ng open-air ng lungsod. Halimbawa, ang kumpanya ng solar teatro ng Mnuškin Ariane Mnouchkine (1939-) ay «1789» ((1970), atbp., Gamit ang isang malaking puwang ng bala. Sa kabaligtaran, A. Artaud Maling teatro Ang form na literal na gumaganap sa madla, na inaangkin bilang isang elemento, ay hindi na pagkawasak ng panonood ng sarili, ngunit ang pagtatangka upang baguhin ang teatro sa isang mahiwagang gawa.

Pa rin, kung ano ang ipinapakita sa entablado dahil ito ay isang pangkalahatang microcosm, o isang relasyon na overlay ang buong (na kung saan ay tinatawag na isang metaphor (metaphor o metaphor) na relasyon sa retorika), o ipinapakita doon. Maaaring maituro na ang ipinakita ay isang bahagi, at na may kaibahan kung ang bahagi ay isang relasyon na kailangang itayo ng manonood (isang relasyon ng metonymy). Ang dalawang ugnayan na ito ay nauugnay din sa anyo ng mga imahe ng pag-play at entablado, halimbawa, kung ang buong aparato at kasuutan ay ginawang tunay, o kung ang ilan ay ginawang tunay na may isang mahigpit na texture. Inihambing ni Freud ang walang malay na mga representasyon ng pantasya sa mga pagtatanghal sa entablado sa konteksto ng mga metapora, ngunit tulad ng sinabi ni J. Lacan, ang pagnanais na tumagok doon ay may isang istraktura ng metaphorical, at sa katunayan, isang metaphorical stage. Ang representasyon ay isang mekanismo na patuloy na nagigising at nagpapaaktibo kung ano ang mga hangarin ng pantasya ng madla, at mas malaki ang imahinasyon at katalinuhan ng madla, at masidhi itong kasangkot sa pagtanggap ng representasyon sa entablado.

Duwalidad ng paglalaro (tao)

Dahil sa relasyon sa pagitan ng <Performer> at <Performer>, ang expression ng yugto ay maaaring nahahati sa dalawang pangunahing mga uso. <Reproduction = Representation = Representation (Luprezanthation)>, kung saan ang performer ay kumakatawan sa kanyang sarili, at ang ibang tao ay kumakatawan sa kanya sa halip na libangan = representasyon Ito ay dalawa. Halimbawa, noong ika-14 na siglo na gumaganap ng sining sa Japan, naroon ang Dagaku at Sarugaku, at sama-sama silang naglaro ng <Noh>. Gayunpaman, sa unang kalahati ng pagganap, ang Taragaku ay nagsagawa ng mga akrobatiko tulad ng Todama at mga pagtatanghal ng pag-awit ng pangkat ng mga batang lalaki (ito ang tradisyunal na sining ng Taragaku), at pagkatapos ay gumanap ang mga kakayahan na may <Character> at <Story = kalamnan>. Sa kabilang banda, ginampanan ni Sarugaku ang Noh bilang orihinal na sining ng paggawa ng isang mayabong pagdiriwang na tinawag na Sarugaku. Ayon kay Nobuo Origuchi, ang <Noh> ay isang pagdadaglat para sa <State> at orihinal na nangangahulugang <imitation>. Sa kahulugan na iyon, ang <Noh> ay isang bahagi batay sa imitasyon ng mga pagtatanghal sa entablado, iyon ay, si Aristotle ay mimesis mimēsis. Tumutukoy ito sa isang bahagi, at kung ang isang bahagi na tulad ng palabas tulad ng Taragaku Genki ay tinawag na <purong pag-play>, ito ay nangangahulugang <kapalit na pag-play>.

Ang gayong dikotomy ay totoong umiiral sa sinaunang Greece, kaya't nabanggit na ng mga deuterambos ang mga himno ni Dionysus bilang mga sayaw na sinasayaw sa mga bilog sa orkestra. Ito ay isang gawa ng proxy sa paggalang na ito sapagkat hindi ito nilagyan ng mga maskara, kasuutan, o mga tungkulin. trahedya , Drama sa Satyr, komedya At magkakaiba. Gayunpaman, ang ilan sa mga gawa na itinuturing na mga masterpieces ng trahedya at komedya ay nanatili, at ang "Poetics" ni Aristotle ay nanatiling isang teatro na teorya ng trahedya. , Ang mga sayaw na walang salaysay at purong palabas na tulad ng mga dula ay madalas na hindi napansin. Gayunpaman, sa muling pagbabalik-tanaw at pagbabagong-anyo ng teatro mula pa noong simula ng ika-20 siglo, lalo na mula pa noong 1960, <ang mga tao na naglalaro sa harap ng iba pang mga tingin> ang kanilang mga sarili ay hindi napapailalim sa pag-iisip sa parehong kasanayan at pagninilay. Hindi ko ginawa. Samakatuwid, kapag tinutukoy namin ang "drama" sa item na ito, nais kong isaalang-alang ang parehong makitid na tinukoy na drama ng muling paggawa ng kapalit = pagpapalit at ang pangkalahatang yugto ng ekspresyon kasama ang purong pag-play o purong paningin.

Duality ng pag-play-type play

Sa pag-play ng proxy-type, ang tagapalabas ay karaniwang sisingilin ng duwalidad. Ang kumikilos sa entablado ay hindi "totoong martilyo" (sa pag-aakalang mayroong isang bagay), ngunit "isang bagay na martilyo". Sa kasong iyon, ang aktor ay dapat na ganap na mawala sa ilalim ng hitsura o mask ng character, at ang kathang-isip na karakter at ang taong gumaganap nito ay dapat na mag-overlay nang walang labis o kakulangan. Ito ay isang kahilingan ng mga modernong aktor na tunay na nais ipahayag ang modernong pagkatao (karaniwang ang sistemang Stanislavsky), at ang mga modernong drama ay ipinapalagay din ang ugnayan sa pagitan ng mga nasabing character at performers. . Gayunpaman, madalas na nakikita ito ng mga tao sa entablado, na kung saan ang "Hamlet ay gumaganap", na mabuti at masama, at ang mga tao ay nanonood ng mga character at aktor nang sabay-sabay.

Ngayon, figuratively <Masked>, ngunit sa mga seremonya, ginagarantiyahan ng mga maskara ang pagbabagong-anyo. Ang mga naglalagay sa mukha ng Diyos ay itinuring na Diyos mismo, at ang nakikita ng mukha ay nakikita ng Diyos, at ang mata ng tao ay tinitingnan mula sa ibaba ng mukha ng Diyos ay ang diyos ng Diyos. Walang iba kundi ang isang kilos. Gayunpaman, kapag ang nasabing isang ceremonial mask ay nagiging isang theatrical mask, ang mask ay binago sa isang <device> upang muling likhain ang kathang-isip. Ang mga maskara ay hindi gumagamit ng mga tao, ngunit ang mga tao ay gumagamit ng mga maskara nang may malay. Sa kahulugan na iyon, Zeami Tinaguriang duplex Pangarap Masasabi na ang mga pamamaraan at mga resulta ng maskadong maskulado / pagbabagong-anyo ay pinalitan ng mismong mekanismo ng dramatisasyon.

Pa rin, sa mundo ng Kanluran pagkatapos ng Renaissance, ang mask (mask) ay isang kakaiba at maling hitsura, at ang ideya na ang katotohanan ay nakatago sa ilalim ay itinatag. Kailangan itong maging katulad. Kinakailangan para sa lahat ng mga kadahilanan na naglilikha ng isang theusionical illusion (play, dramatization, stage figure, atbp.), Ngunit kung ito ay itinuturing na isang organisadong pagtatangka upang iligaw ang katotohanan ng teatrical illusion na may katotohanan, ay isang pekeng. Halimbawa, ipinagtalo ni Brecht na ang gayong panloloko sa teatrical ay hahantong sa isang panlipunang pekeng, at na ang parehong aktor at manonood ay kinakailangan upang mapanatili ang isang kritikal na distansya sa kanilang sarili. Masasabi na inilalagay nito ang ilusyon sa mga panaklong. Kung babalikan mo ito Pormalismo ng Russia Ang "dalawahan" kung saan ang antas ng trabaho ay isang elemento ng entablado ay pangkaraniwan sa Japanese tradisyonal na teatro, tulad ng mababanggit sa ibang pagkakataon.

Bilang karagdagan sa batayang duwalidad na ito, mayroong isang istraktura sa pag-play-type ng uri na dapat ding tawaging "generative duality". Sa madaling salita, ang tagapalabas ay dapat magkaroon ng kamalayan sa lahat ng mga kwento na nilalaro doon, at gumanap ito ng isang mukha na ganap na hindi kilala. ito ay Pag-play ng klasikal Sa kaso ng isang akdang pamilyar sa madla tulad nito, ito ay <play> na tatanggapin kahit sa loob ng madla, ngunit sa ganitong paraan ang buong istraktura ay <suspended> at kumikilos na parang wala. Gayunpaman, tinawag ni SK Langer ang "hindi natukoy na form" isang karanasan na natatangi sa teatro, kung saan bahagi ay palaging nilikha na may kaugnayan sa pangkalahatang istraktura at kasama ang axis ng oras. Ano ang gumagawa ng tulad ng isang henerasyon na istraktura nang maaga ay walang anuman kundi dramatikong paglalaro. Gayunpaman, dahil ang <pending form na ito ay isinasagawa sa loob ng performer, sa pagitan ng mga performer at sa pagitan nito at ng buong yugto, at sa loob ng madla, sa pagitan ng yugto at madla, ito ay isang kumplikadong. <Game> (laro sa Ingles, jeu sa Pranses), sa halip ito ay malapit sa <game> o <game = pusta. Ang lilitaw doon ay ang kilos ng contingency na sa huli ay hindi mahuhulaan, ang "iba", na nauugnay sa kilos ng teatro, at ang "iba pa" ay nakatago ng duwalidad ng performer mismo. Ang sinubukan ni Zeami na sabihin sa mga tuntunin ng "nakikita ang layo" ay isang diskarte para sa kondisyon ng paglalaro sa tingin ng iba.

Bilang karagdagan sa pag-arte na may kaugnayan sa drama, kumikilos sa pamamagitan ng pag-play ng estilo ng drama, bilang tinukoy din ni Aristotle, ang may-akda ay palaging nasa posisyon ng reporter <history> at ang may-akda ay reporter at ang taong nasa kwento Hindi tulad ng Epic, ang nagsasabi ang isang may-akda ng isang kuwento sa pamamagitan ng paggawa ng isang tunay na pagkilos ng tao. Gayunpaman, kahit na sa loob ng nasabing Aristotle drama, ang pagsasalaysay ng mga tauhan mismo ay hindi lamang isang mahalagang palabas sa trahedya ng Greece kundi pati na rin sa ika-17 siglo na drama sa Pransya, tulad ng sa Japanese Noh at Ningyo Joruri. , <Storytelling> Ang ilan ay nakumpleto bilang isang anyo ng teatro habang nagtataglay ng isang istraktura. Ang epikong drama ni Brecht ay binigyan din ng inspirasyon ng mga ideya, at maraming mga kontemporaryong artista, tulad ng S. Beckett at lalo na kamakailan ang mga gawa ni M. Duras, ay nakatayo sa istruktura na "salaysay", at tulad ng mga gawa Sa kasong iyon, ang tagapalabas ay nasa antas ng maglaro kasama ang duwalidad ng <narrator> at <actor>.

Purong paglalaro at kathang-isip na katawan

Kaya, sa isang purong paglalaro tulad ng isang di-pamalit na paglalaro o isang sayaw na walang kwento o isang linya ng kuwento, ang performer ba ay sarili lamang niya? Mula sa mananayaw ng palabas hanggang sa dancer ng ballet, ito ay isang lugar kung saan madalas nating nararanasan ang kababalaghan na ang mga tao na hindi kapani-paniwala sa pang-araw-araw na buhay ay lumiwanag tulad ng isang kakaibang tao kapag nakatayo sa entablado. Tulad nito, tinawag itong "bulaklak" ni Zeami, ang kagandahan na nagpapanatili sa isipan ng mga tao sa sandaling lumitaw ito, at iyon ay halos kapangyarihan na nagbubuklod. > (Napakasarap na pagtakpan). Hindi lamang ito function ng tunay na pisikal na katangian, ngunit isang talento upang makabuo ng katawan ng isang tao sa harap ng mga mata ng iba, ngunit hindi ito dapat makita. Nagtalo si Zeami, "Kung itago mo ito," ipinangaral ni Zeami. Sa itaas nito, dahil ang pagkilos ay isinasagawa sa entablado, kinakailangan ang mekanismo at pagpupulong ng pagkilos na ito. Para sa sayaw, Choreography Gayunpaman, kung ang pagpaparami = istruktura ng pagpapalit ay malinaw, halimbawa, tulad ng Strip Tees, maaari itong tawaging dramatismo bilang isang pagpupulong ng kathang-isip na mga aksyon. Pa rin, tulad ng isang "mekanismo ng pagkilos" mismo ay gumagamit at pumapatay ng "bulaklak", at pisikal na paglalaro ay dapat magkaroon ito bilang isang mekanismo. Sa madaling salita, kahit na sa purong paglalaro, ang tagapalabas ay hindi ang kanyang sarili, at maging sa purong paglalaro, na lumilikha ng tulad ng isang "kathang-isip na katawan" ay isang napakahalagang saligan Ang phase na ito ay umiiral kahit na madalas na hindi nakakubli ng mga tungkulin o mga character kahit na sa kaso ng pag-arte para sa aktor, at sa una, tinawag itong "Ano ang martilyo upang i-play" at lumilitaw kasama ang tagapalabas. Sinabi niya na pinapanood niya ang mga tao nang magkasama, ngunit dahil ang performer ay hindi na katotohanan, ang madla ay isang mapaglarong kababalaghan sa antas na ito na hindi isang mamamayan o isang karakter sa totoong buhay. Nakikita ko ito bilang isang lugar.

Kung sa tingin mo tulad nito, halimbawa Comedia delarte Ang nilalaman na dapat i-play ay Makabagong drama Naiintindihan na ang pag-play na nag-overlay sa <actor> mismo sa anyo ng <role>, bilang isang propesyonal na kumpanya sa teatro na nakasentro sa improvisasyon, ay itinatag ang pinakamaagang sa Europa. . Ang pagpapahiwatig ay hindi lamang isang kalokohan, ngunit ito ay isang lugar kung saan ang mga nilalaman ng araw ay limitado at ang oras at puwang ay limitado. ) Ay agad at tumpak na nakuha at ipinakita bilang isang buhay na bagay dahil presupposes nito ang isang komprehensibong pisikal na pagsasanay na isinasama at maaaring magdala ng tulad ng mapaglarong kaalaman.

Ang Commedia Delarte's <Mask = Role> ay walang pag-aalala at naantala mula sa punto ng masusing pag-personalize ng mga character sa mga modernong drama sa Kanluran (ang prinsipyo na ang parehong tao ay hindi kailanman dalawa) Gayunpaman, sa paggalang na ito ay muling nasuri sa mga nakaraang taon. Tiyak, mayroong isang pagkilala na ang papel na ginagampanan ng mga tao sa totoong buhay ay maaari lamang mahahati sa ilang mga uri bilang mga relational na istruktura, sa kabila ng pagkatao ng bawat tao. Sa media de ralte, ang isang mahusay na iba't ibang mga pagpapahayag ay maaaring gawin sa ilalim (o sa) mask ng uri. Ang parehong maaaring masabi tungkol sa papel ng Nohite, na ang mga tampok at sikolohiya ay hindi maliwanag kung tiningnan bilang mga character sa mga modernong dula. Doon, kinakailangan at posible upang maisagawa ang parehong gawain sa Nojo ng Nomiya at ang master king ng Shiki na anak ni Shigeki. = Ito ay depende sa antas ng pag-play ng manlalaro. Ang parehong naaangkop sa Kabuki pambansang anyo, hindi lamang mga kapalit ng aktres, o isang taong masquerade man, ngunit nakatayo sa hitsura at hitsura ng isang espesyal na anyo ng pambansang form na binubuo ng sayaw at musika. Sa ganitong paraan, mayroong iba't ibang mga pagkakaiba-iba ng teatro. Hindi kataka-taka na ang mga dula na ito, na ang mga tagumpay sa entablado ay nakasalalay sa gawa ng aktor higit sa drama, ay nasa limelight ng modernong teatro sa Kanluran.

Ang Horizon ng Drama-Scripts at Drama

Sa kaso ng comedia de ralte, ang teksto na nakasulat sa teksto ay unang nagbubuod sa pagdala ng mga linya na nakalagay sa mga manggas na tinatawag na canobatcho at ang aktor ng gawain para sa bawat eksena, na hindi isang drama. Ngunit maaari itong tawaging isang script. Gayunpaman, ang "nakasulat na teksto" na ang mga aktor ay hindi lamang ito, ngunit mayroong iba't ibang mga linya (mula sa slang tanyag na kalakaran sa dayalogo ni Plato) na dapat gamitin ayon sa sitwasyon. Ito ay isang dula na walang drama sa kamalayan na hindi sila isang pangkalahatang drama, ngunit hindi ito nangangahulugang walang nakasulat na teksto bago ang drama, o hindi rin ito nagkulang sa drama. Kahit na sa Kabuki, ito ay nasa anyo ng isang bibig, na nananatili pa rin sa mga tanyag na sinehan sa buong mundo, at kahit para sa mga aktor na Noh, maraming mga hindi nakakaalam na aliw sa harap ni Zeami. . Sa kabilang dako, subalit, may ilang mga halimbawa kung saan ang paggawa ng teksto sa isang nakasulat na wika, tulad ng trahedya ng Greek, ang medyebal na banal na kasaysayan ng Europa, at ang kakayahan ng Hapon ng Zeami sa Japan, ay gumawa ng dramatikong pag-unlad . Bukod dito, bilang karagdagan sa nasa itaas, ang dramatikong pagpapabuti sa halaga ng panitikan ng akda ay tinukoy ang nangungunang papel ng teatro para sa kultura nito. Halimbawa, sa Elizabethan UK, mula sa huling bahagi ng ika-16 na siglo hanggang sa pagtatapos ng ika-17 siglo Maaaring sapat na isipin ang tinatawag na gintong edad ng Espanya, Pransya sa gitna ng ika-17 siglo, ang sinaunang dinastiyang Indian Candragupta na gumawa ng Carridasa, ang orihinal na awit sa Tsina, at ang papet ng Chikamatsumon Saemon sa Japan. Ito ay isang pagkakamali na ang teoretikal na pagmuni-muni sa drama ay ang dula, ngunit lalo na sa mundo ng Kanluranin, dahil ang trahedya ng Greek, ang pampanitikan na drama ay may kaugaliang umapaw sa maharlikang daan ng drama, kaya ang Poetics at Horatius ni Aristotle ay matagal na. mula sa tula ng drama, mula sa Renaissance hanggang sa ika-17 siglo na drama ng drama, hanggang sa Hegel's Aesthetics, kung saan ang pangunahing bahagi ng teorya ng drama ay teorya ng drama.

Malinaw mula sa Noh at Kabuki na ang pamilyar na notasyon ay hindi nagpapahiwatig ng awtonomiya ng drama operatism sa loob ng gawaing drama at ang higit na kagalingan ng drama na ito ay, dahil ito ay pamilyar, hindi alintana, totoo na ang pag-play ay madalas na pinaka pinagsama at pare-pareho na patotoo ng dramatism. Ang iba't ibang pagganap ng teatro ay higit na nakasalalay sa daluyan ng paglalaro (tao, mga manika, maskara, anino, atbp.) At mga elemento ng pagpapahayag (pangungusap, kilos, drama, sayaw, pag-awit, musika, kostum, mga figure ng entablado, atbp.) O teatro istruktura. Ang pagkakaiba-iba ng mga pamamaraan, Drama Mangyaring sumangguni sa item ng〉 at ang item ng kasaysayan ng drama ng bawat bansa o bawat lugar na pangkultura.

Aristotle at Zeami

Ang Aristotle ay ang anim na elemento na bumubuo ng trahedya sa Poetics, tatlong elemento na nauugnay sa kung ano ang nailarawan (ang kwento (Mutos), na isang pagpupulong ng mga kaganapan), at ang mga katangian ng mga aktor at character (character) Etos)>, < katalinuhan (Dianoia)> sumusuporta sa pag-uugali sa pandiwang ito, at dalawang pamamaraan na ginamit sa paglalarawan (<inskripsyon / salita (lexis)> at <musikal (melopia)>) at isang pamamaraan ng paglalarawan (<visual Effect (opsis)>), ngunit ano na tinatawag na dramatism dito ay maaari ring isama ang anim na elemento.

Matapos tukuyin ang Aristotle bilang isang trahedya, ito ay isang cohesive, organisado sa sarili, isang sukat, imitated na pagkilos ng tao (mimesis), kung saan ang pinakamahalagang kadahilanan ay ito ay isang "kuwento", ito ay isang "unitary buo" na may isang " malapit na komposisyon "," pagsasalita kung ano ang maaaring nangyari alinsunod sa pagiging totoo o pangangailangan nito ", ito ay isang" mabuting salita "Kinakailangan na maipahayag sa pamamagitan ng paraan, ang salamin ng pag-aayos ng teoretikal na Aristotle at ang pagsasanay ng kanyang kakayahan sa pamamagitan ng Zeami ay may isang bagay sa pangkaraniwan. Ang mga libro ni Zeami sa mga pamamaraan ni Yamato Sarugaku na itinatag ni tatay Kanami ay <Imitation> (imitasyon ng pag-uugali) at <Giri> (Paano gumamit ng mga salita na may tuwid na landas). Ang dahilan ay upang mapagtanto (ang kagandahang anyo ng yugto). Bukod dito, ang kahulugan ng "magandang noh" ni Zeami ay nakakakuha ng pansin dahil sa pangkalahatang pagsasaalang-alang nito sa paglalaro. Sa madaling salita, ito ay <tama sa teoryang ito, sa isang makalat na istilo, pinalamanan, at mapanlikha>, sa madaling salita, ang awtoridad ng paksa / kuwento ay tama, tapat dito, at kung paano ipinakita ang kwento. Ito ay dapat na isang bagay na hindi pangkaraniwan, kawili-wili, at may ilang talento sa istruktura na ginagawang isang highlight (ang highlight), at pagkatapos ang kabuuan ay dapat na butas ng isang pang-aesthetic na kahulugan at magbigay ng aesthetic inspirasyon. Hinahanap ni Zeami ang tema ng gawaing Noh sa mundo ng dinastikong panitikan, medyebal na epiko, at tradisyonal na tula, at ipinamahagi ang tema at ang paggamit ng wika ng pangunahing awit sa ika-5 yugto ng pahinga. Kapansin-pansin na ang pagsasanay sa wika ay napakahalaga sa kanyang proposal ng Bulaklak, na lubos na napabuti ang kalidad ng Noh mismo.

Ano ang sumusuporta sa katotohanan

Sa madaling salita, ang mga motibo ng dramatismo ay nakasalalay din sa kung paano makuha ang puso ng madla sa pamamagitan ng pagpili ng paksa, kung paano tipunin at ipakita ang kwento, at ang pagpapahayag ng lingguwistika nito, iyon ay, upang mapaniniwalaan ng madla ang kathang-isip. ing. Nakasentro sa teoryang "pagiging totoo" ni Aristotle na binanggit kanina, ang tinaguriang rurok na naabot sa Pransya noong ika-17 siglo Pagkakaisa Ang debate debate tungkol sa mga bagay na ito ay nakasalalay din sa puntong ito bilang isang kasanayan sa playwright. Si François Hédelin at abbé d'Aubignac (1604-76), isa sa mga teorista sa oras na iyon, ay dapat na tuntunin ng pagkilos sa Theatrical Practice, at ang pagiging totoo ng lahat ng mga pag-play Ito ay madalas na iguguhit bilang isang halimbawa ng diin na nakatuon sa oriental na diin sa pamamaraan ng klasikal na teatro ng Pransya, ngunit ang pangangatuwiran ay ang karaniwang kahulugan (Bon Sans) ay ibinahagi sa lahat. Kung nauunawaan mo, ito ay higit pa sa isang napaka-simpleng alituntunin upang kumpirmahin na dahil lamang sa isang pangako ang isang pag-play, hindi nangangahulugan na maaari kang gumawa ng anumang bagay na walang kabuluhan. Ito rin ang humahantong sa motibasyon upang maalis ang libreng supremacy tulad ni Takura at Omi Sarugaku.

Limitahan ang paksa sa kwento ng isang partikular na pamilya ng pamilya na ang trahedyang Greek ay sinasalita ng mga epikong epiko atbp., Iginiit ni Zeami ang kawastuhan ng <theory>, at ang ika-17 siglo na trahedya ng Pransya ay nagtalo para sa pagiging matapat sa awtoridad. Parehong mga pagsasaalang-alang upang matiyak ang kanilang kredensyal sa pamamagitan ng paggamit ng mga kuwentong ibinahagi ng madla. Samakatuwid, sa mga modernong panahon, ang malaking istraktura ng <mythological> sa likod ng kwento mismo ay madalas na inilarawan bilang ginagarantiyahan ang pag-andar ng teatro. Makikita ito mula sa mga pag-aaral ng mitolohiya at pananaw ng etnolohikal hanggang sa psychoanalysis at pilosopiya ng pagtatasa ng kapangyarihan, ngunit ito ay dahil ang mga alamat na ito ay kinuha ang anyo ng mga pagtatanghal ng teatro pagkatapos ng isang dramatikong taktikal na muling pagsasaayos. Kinakailangan din na isipin na nagsimula itong ibinahagi at gumana tulad ng isang mito, ngunit sa halip, kung paano ang mismong dramatismo mismo ay naninipis sa mga indibidwal at grupo, bilang isang ilusyon = representasyon Kailangan mong makita kung nagbibigay ka ng hugis. Kung ito ay tinatawag na <unconscious> o <joint fantasy> ay isang pagkakaiba-iba sa pananaw, ngunit tiyak na ang Freud's <Edips Complex> ay inihayag ng drama ng Sophocles <Oedipus King> <Tadaomi> nakuha ang pagkilos nito bilang isang alamat ng magkasanib na ilusyon sa pamamagitan ng theatrical drama na kinakatawan ng <Tadaomi Kanamotomoto>.

Salungat / istruktura ng salungatan

Sa pamamagitan ng paraan, ang pundasyon ng dramatism ay upang mag-ipon ng isang drama. Ang <Drama> ay drama (kilos), ngunit hangga't ito ay Hapon, hindi nangangahulugang <baldness> na hindi tinatanggap ng mga taong Hapon mula sa kanji na ito. Ngunit gayunpaman, dahil ang trahedya ng Greece, ang mga salungatan at salungatan ay kinakailangan upang kumatawan sa drama sa isang tipikal na paraan. Ito ay naisip na nagmula sa trahedya ng Griyego, isang kahilingan na isinagawa sa paligid ng libingan ng isang bayani na umabot sa dulo ng hindi gawa, kaya ang pakikibaka laban sa mga kondisyon ng tao bilang isang taong may buhay ay umiiral sa unang lugar. Ito ay dapat na. Sa kahulugan na iyon, ang <demon>, na itinuro ni Zeami bilang isang tradisyon ng Yamato Sarugaku, ay ang pagpapakita ng mga hindi pangkaraniwang kapangyarihan na lampas sa mga tao. Hindi ito limitado sa sining ng Japanese na gumaganap, ngunit ang <sagradong mga bagay> Ito ay isang pananaw na maaaring ituring bilang expression (Klatophany), at tulad ng isang puwersa na nagbabanta sa komunidad mula sa labas ay dapat na limitado ng mga tao na gayahin at paglalaro. Kung sinamahan ito ng Diyos na Espirituwal, malapit ito sa primitive form ng trahedya ng Greek, at ang pambihira ni Edo Kabuki ay ang pagkakatawang-tao ni Soga Goro bilang isang "Diyos na Diyos". Ang Riyomono)) ay bumubuo ng isang talaangkanan mula sa Noh hanggang Kabuki hanggang sa underground na paglalaro noong huling bahagi ng 1960.

Sa ganitong paraan, ang teatro ng Hapon ay mayroon ding "nakasisilaw na kapangyarihan" na di-nakikilala, tulad ng Western drama na nagmula sa sinaunang Greece. Hindi alintana kung ito ay isang indibidwal o isang indibidwal, ang mga pananaw at paraan ng pagkakabukod / konstruksiyon ay naiiba. Halimbawa, nararapat man o hindi ang espesyal na kasanayan o lugar ng diskurso ng korte o korte, na kung saan ay isang pag-unlad ng magkasalungat na mga argumento, ay lubos na konektado sa dramatismo, tulad ng Western drama, ay tinatanggap ang kapahayagan at pagkilos ng paglalaro mismo. Magkaiba din.

Gayunpaman, ang gayong mga salungatan at salungatan ay maaaring umiiral sa bawat aspeto ng akdang drama. Tulad ng nabanggit na, ang tagapalabas at tagapakinig ay hindi magkakahiwalay na nagtutulungan, ngunit ang mapaglarong kasunduan / balanse ay isang marupok na relasyon na maaaring madaling masira ng alinman sa kalooban, at ang mapanganib na pag-igting na ito ay Pagkatapos, madalas itong ihambing sa isang "seryosong laro". Kahit na higit pa sa mga gumaganap, at isang beses sa Noh, Riichi Nagkaroon ng isang literal na laro ng (tachiai)>. Posible na magtrabaho sa mga salungatan, salungatan, antagonismo, at pag-igting sa antas na ito ng trabaho bilang isang solong ritwal = teatro, at maraming mga halimbawa ng tradisyonal na teatro ng Hapon tulad ng Noh. Ang pinaka matinding halimbawa ay ang prestihiyang pakikipag-date ng Nobichi-ji Temple, Randobishi Shite at Komiko. Maraming mga kaso kung saan ang nasabing isang coordinated power relationship sa antas ng pagganap (pagganap) ay direktang na-convert sa lakas ng mga dramatikong pagkilos, hindi lamang sa Noh, kundi pati na rin sa Ningyo Joruri at Kabuki. Isang madaling maunawaan na halimbawa).

Sa kabaligtaran, ang tanawin ng matagal na mga salaysay ng Shite (at terrestrial), tulad ng dobleng natapos na ilusyon ni Noh Ige (buhay na kanta) ni Zeami, ay pantay sa zero sa parehong pagkilos at paghaharap, ngunit posible na ibahin ang anyo ng Shite ng salaysay na iyon Sapagkat ang wika ay mukha at harapan, ito ay isang mayaman na bahagi ng teatrical semantics, at sa pangkalahatan, direktang paghaharap at salungatan Ang pagkakasalungat at antagonismo na nakuha mula sa isang pananaw na lumalampas sa pananaw ay hindi maiiwasan kapag nag-iisip tungkol sa drama at teatro para sa mga Hapon.

Bilang karagdagan, ang mekanismo ng "pagganap ng teatro" o "pagganap ng teatro na nakatayo sa teatro" ay naging isang talaangkanan ng mga taktika sa drama, kasama ang duwalidad na dapat sabihin na ang kondisyon ng teatro mismo tulad ng na inilarawan, na kabaligtaran kamay. Mahusay na mapapansin. Maraming mga obra maestra mula sa Templo ng Shakespeare at Theatrical Illusion ng Corneille kay L. Pirandero, Brecht at J. Genet, ngunit ang mga larong tulad ng Hamlet ay maaaring mai-reread mula sa parehong punto ng view. Pag-iisip nito, nangangahulugan lamang ito ng higit sa isang anyo ng dramatismo. Bilang karagdagan, mula sa pagpapahayag ng wikang Latin hanggang sa "Shiyuzu sapatos" ni Claudel sa mga lumang araw, gusto niya ang teatro at ginamit ang World Theatre bilang kanyang sagisag. Ito ay walang iba kundi dahil ipinagkatiwala ito.

Direksyon at drama

Ang posisyon at anyo ng drama na kumikilos sa pangkalahatang gawain ng dula ay naiiba din depende sa panahon at rehiyon, at hindi palaging nangyayari na ang isang independiyenteng indibidwal ay tumatanggap ng responsibilidad para sa pag-arte sa drama. Gayunpaman, hangga't ang may-akda ay isang tagapangulo nang sabay, o ang pagsasakatuparan ng mga dramatikong drama sa entablado ay maaaring makamit sa pakikipagtulungan sa aktor, hindi na kailangan ng isang independiyenteng pag-andar bilang isang direktor. Sa ibang salita Produksyon Ang drama at dramatism ay ganap na bahagi ng kanilang gawain. Sa Europa sa huling kalahati ng ika-19 na siglo, nang ang pinutol na bahagi ng panitikan ay naiiba mula sa teatro, at ang pagbagsak sa kalidad ng dramatikong panitikan at ang masining na katuwiran ng mga aktres ay nanalo, ang direktor ay responsable sa pagpapanumbalik ng pangkalahatang istraktura ng dramatism sa entablado. Ipinanganak at kalaunan ay itinatag ang tama bago ang ika-20 siglo ay tinawag na "Director's Century". Ang direktor bilang isang tao na kumokontrol at nagpapakilos sa lahat ng mga ekspresyon ng entablado, kasama na ang pagiging sopistikado at pagiging perpekto ng kanilang makina na teknolohiya (teknolohiya), ay mapapansin sa pansin. Ito ay natural na ang pagganap sa theatrical ay nagiging makabuluhan sa kauna-unahang pagkakataon kapag ito ay naging isang <direct direct musical score>, ngunit masasabi na ito ay naging <director's musical score>. Ito ay kahawig ng arkitekto at aparatoista, isang <ang entablado ng entablado> na naghari noong ika-17 siglo ng opera ng Italyano at Pranses, ngunit ang mga direktor ng ika-20 siglo ay nasa kaso ng J. Copoe, EG Craig, VE Meyerhold at iba pa Tulad ng napuna, madalas itong suportado ng isang radikal na paggalugad ng mga pag-play ng aktor at ang kanilang mga tiyak na pamamaraan (kilos). Ang makatwirang kahihinatnan ay iginiit ni A. Artaud noong 1930s na may isang makahulang radikal, at ang tinatawag na pisikal na teatro ay natanto noong 1960 (ang teatro ng laboratoryo ni J. Grotovski, ang buhay na teatro ni Julian Beck). Atbp., Hindi lamang ang pag-aalis ng mga pag-play at playwright, ngunit ang pag-abandona ng lahat ng mga naka-segment na wika na nakasulat bago ang entablado, at ang entablado ay pinangungunahan ng mga kaguluhan sa ontolohiko, napuno ng mga hiyawan at anomalyang pisikal na paggalaw Subukan na baguhin ang lugar. Masasabi na ito ay isang pamamaraan upang mahulma ang isang solong dramatismo mula sa pisikal na pagsasanay ng mga aktor. Sa kahulugan na iyon, ang paggawa ng pangkat ng solar theater company ni A. Munushkin ay isang pagtatangka na puksain ang pribilehiyong direktor mismo, ngunit dito muli, ang "pag-iisa ng dramatismo" ay magpapatuloy. Tiyak na ang pagkakaroon ay kinakailangan, at sa katunayan, umiral ito. Ang paggawa ng grupo ay hindi nangangahulugang ang bawat isa ay may handang maglaro, ngunit inilalabas nito ang kalayaan ng mga miyembro ng pangkat at ginagamit ito bilang isang pagkakataon para sa pagpapahayag. Ito ay isang mekanismo para dito.

Wika sa teatro

Sa pisikal na teatro, ang pagkakaroon ng performer mismo ay nakalantad bilang isang hubad na katawan, ngunit ang pagkakaroon ng <words> sa entablado ay nakalantad na tila kabaligtaran ito. Ang mga salita ay hindi lamang isang paraan ng paghahatid ng kahulugan, ngunit ang pagkakaroon ng mga salita mismo ay nagiging isang insidente sa entablado, kaya't ang katawan ng aktor ay hindi na nawala sa pamamagitan ng overcoming kahulugan.

Para sa isang bagay, masasabi na ang kakaiba ng mga salita sa teatro ay binabaligtad. Sa madaling salita, sa prinsipyo, isang tao lamang ang maaaring magsalita ng isang wika sa entablado. Maramihang mga tao ay maaaring magsalita nang sabay-sabay sa premise na sinasabi nila ang parehong bagay (halimbawa, Colosas) o na ang kahulugan ay maaaring hindi maunawaan ng madla. Kung iniisip mo ito, medyo kakaiba ang "salitang karahasan", ngunit hindi lamang ito kinikilala sa pagitan ng mga character, kundi pati na rin sa pagitan ng yugto at madla. Hindi bababa sa pagkatapos ng mga modernong panahon, hangga't ang mga salita ay naiwan sa entablado, ang mga upuan ng madla ay napipilitang tumahimik, at kahit na tinawag nila si Kabuki, maaari lamang silang magamit na may kaugnayan sa mga salita sa entablado. Ito ay nagiging isang mapanirang pagkakasala na katumbas ng> Sa ganitong paraan, hangga't binibigkas mo ang mga salita sa entablado, magagawa mong umiral sa puwang ng entablado. S. Beckett Ito ay walang iba kundi ang pag-play. Ang parehong ay totoo para sa trahedya ng Rashien, tulad ng itinuturo ni R. Baltic na sa tulad ng isang trahedyang trahedya, ang mga salita lamang ang nagdadala ng marahas na ugnayan ng kuryente, at ang mga salita ay nagpapahayag ng gayong isang dramatikong relasyon. Ang relasyon mismo ay ipinapakita sa entablado. Ang muling pagbabasa ng mga klasiko sa mga modernong panahon ay hindi lamang isang muling pagbabalik ng mga dula sa panitikan, ngunit ang isang pagtatangka upang tanungin ang natatanging pagkakaroon ng mga salita sa teatro, at ang mga bagong anyo ng paglalaro ng mga salita ay lumilitaw.

Aksyon sa teatro

Ang teatro ay napapailalim sa pagpaparami at pag-uulit. Iyon ay hindi lamang ang pagpaparami at pag-uulit sa pamamagitan ng paggaya sa <reproduction = kinatawan ng uri ng pag-play>, kundi pati na rin sa kahulugan na ang gayong pag-play mismo ay paulit-ulit. Kaugnay nito, humahantong ito sa mga konsyerto ng musika sa isang banda, at humahantong sa mga pelikula, telebisyon, at record arts sa kabilang banda, ngunit ang dating ay may mga instrumento bilang isang pangkalahatang tuntunin, samantalang ang pag-play ay may sariling katawan bilang isang instrumento = tool . Ang huli ay naiiba, ang huli ay naiiba sa kung ano ang dapat na muling kopyahin ay naayos ng materyal na daluyan.

Ito ang ugat ng mahika upang gayahin kung ano ang wala doon, ngunit hindi kailangang maging sa nakaraan, halimbawa, paggaya ng isang elepante upang talunin ang isang elepante bago umalis para sa pangangaso ng elepante Ngunit ang pinakamahalagang mahika ay upang ibalik kung ano ang mayroon lumipas na, lalo na kung ano ang lumampas sa kritikal na hangganan ng kamatayan. Ang ilan sa mga alamat na nagsasabi sa mga pinagmulan ng teatro ay ang mga mito ng kamatayan at muling pagsilang ng araw at lupa, na naisip na mga simbolo ng pagiging produktibo, at ang mga ritwal na nauugnay dito ay ang mga pag-andar at pag-andar ng teatro. Nagbibigay din ito ng mga pahiwatig sa pagmuni-muni. Tulad ng kilala, ang Iwataya Nakatago ng Sun diyosa na si Amaterasu Okami ay sinabi sa Kojiki at Nihonshoki, Buhay ng Tengu Babae Ang Pangalawang Pagdating ng diyosa ng Araw sa pamamagitan ng Mahusay ng Araw ay isang kwento ng pagkamatay ng diyos ng araw at ang pagkabuhay na muli nito sa katapusan ng taon, at isang alamat na nagsasabi sa mga batayan ng mga ritwal ng dakilang samurai sa Emperor . Ang magic na ginamit ng uzume upang mabuhay ang araw ng diyos ay maaaring iba-iba sa pamamagitan ng pagbabasa ng pinagsamang genki. Aktor (Paglipat), pagsusunog ng apoy, hinuhubaran ang diyos, inilalantad ang mga suso at maselang bahagi ng katawan, at tumatawa sa mga diyos, at sa tuktok ng diskarte ay ang imahe ng isang salamin. Ang isang tool upang sumalamin, iyon ay, upang baguhin ang imahe ay ginamit. Tulad ng pagtatalo ng mga modernong mitolohiya ng paghahambing, ang pagkakalantad ng maselang bahagi ng katawan at pagtawa na dulot nito ay ang mahika ng muling pagbuhay sa pagiging produktibo ng lupa, na humahantong sa mito ng Eleusian Demeter na diyosa, at si Daisaikai ay ang ina Ang mahiwagang paggaya ng diyosa ng ang diyosa ng araw at ang pagsilang ni Tenshi, at ang lihim ng Eleusis ay batay sa kasal ng diyosa na si Zeus at ang diyosa na si Demeter at ang kapanganakan ng anak na lalaki. Nagtalo si Nietzsche na mayroong isang gawa-gawa na batayan ng trahedya, ang pagkamatay at muling pagsilang ng diyos ng halaman na si Zagreus-Dionysus, ngunit hindi bilang isang kaugnayan sa kuwento ng trahedya ng Greece, ngunit bilang pangunahing alamat ng teatro. Oo. Kilalang-kilala na ang mga aktor na Uzume ay ang mga ninuno ng mga unggoy (mga sarty), iyon ay, ang mga ninuno ng mga taga-aliwan ng Hapon, ngunit mayroong isang nakikiramay na spell ng pagkakalantad ng genital at pagbabagong-buhay ng kosmikong produktibo sa pamamagitan ng pagtawa. Nakakonekta ito sa lakas ng paggawa ng salamin ng salamin na may mas mataas na simbolismo.

Ang reenactment magic na ito ay isang ispiritwal na sining din, at isang ritwal na hayaan ang mga kaluluwa ng mga patay na magsalita ay inaasahan, halimbawa, sa simula ng trahedya ng Greece (ang sayaw na espiritwal na sayaw ng hari sa Ice Cyrus 'Persians) Ito ay nagbibigay ng mga bakas nito) , o kinikilala sa istrukturang kaluluwa ng Noh batay sa Espirituwal na Pananampalataya.

Itinakda ni Nietzsche ang pagdurusa, kamatayan at pagkabuhay na muli ni Zagreus Dionysus bilang isang trahedya na alamat dahil ang lahat ng mga bayani ng trahedya ng Greece ay nakasalalay sa primitive na kaso. Bagaman ang ideyang ito ay hindi nabibigyang katwiran sa kasaysayan ng relihiyon, ito ay may bisa bilang isang talinghaga, at sa katunayan, posible na isaalang-alang hindi lamang ang trahedya kundi pati na rin theatrical protagonist bilang paksa ng sakripisyo o sakripisyo ng ritwal. . Halimbawa, nakikita ng mitolohiya ng Pranses na si René Girard (1923-) ang paglitaw at pagsasaayos ng karahasan na nag-iipon sa mga walang malay na patong ng lipunan sa sakripisyo ng Kambing sa Pagbabayad-sala. (Kaugnay nito, Aristotle 's < catharsis ), O tulad ng Pranses na mitolohiya ng Pranses na si Bernan Jean-Pierre Vernant (1914-), pinagsama ang talatang ito sa mga konkretong ritwal, tulad ng Sophocles's King Oedipus, Nabasa namin ang pag-aalis ng relihiyosong ugali na "Palmacos" at ang kontemporyang pampulitika na pagpipilian ng "shell pagpapatalsik ”, at basahin ang kalabuan ng mga napili para sa sakripisyo, iyon ang Ilang mga iskolar na binibigyang diin ang aspeto ng pagiging higit na mataas at sa parehong oras na mas nalulunod kaysa sa lahat. Sa anumang kaso, kung ito ay isang <anti-world> na naibukod sa mga hindi pantao na teritoryo sa pamamagitan ng prinsipyo ng pagbubukod na kinakailangan upang maitaguyod ang lipunan ng tao, tulad ng artistang pampanitikan ng Sobyet na si MM Bakhtin, Ang pag-activate ng buhay panlipunan sa pamamagitan ng pagsalakay ng primitive na kaguluhan karnabal At Clown Bilang karagdagan, mayroong isang punto ng view na sumusubok upang mahanap ang totoong epekto ng teatro.

Sa ganitong paraan, ang mga alamat at diskurso na nagsasabi sa mga pinagmulan ng teatro ay nakikita ang kilos ng teatro mismo bilang isang "paglipat mula sa kamatayan hanggang sa buhay" at hindi maaaring balewalain kapag isinasaalang-alang ang mga epekto ng teatro. Doon, ang tagapalabas at ang manonood ay lahat ng nabubuhay na tao, ngunit sa sandaling ang buhay at kamatayan ay inilalagay sa mga panaklong, maaari silang mabuhay sa kung ano ang imposible sa katotohanan o ganap sa totoong buhay. Huwag magpakita ng animo’y buhay ka at tingnan mo ito. Mayroong isang magkakatulad na karanasan sa buhay na masigasig na mahirap maranasan sa katotohanan at ang gawain ng pag-convert nito sa isang istraktura ng kahulugan, at ang dalawahang pagkilos na ito ay ang kalidad ng karanasan ng teatro. Sinusuportahan.

Kahit na ang panimulang punto ay nagmula mula sa gayahin = nakikita ang mahiwagang kapangyarihan ng isang pag-play, kahit na sa tulad ng isang teatro na nawala ang koneksyon sa <sagradong bagay> Pagsakop ng isang pribilehiyong posisyon. Ang larong ito, na naglalantad ng katawan ng isang tao sa mga mata ng iba, ay may isang kalabuan na katulad ng pangunahing katangian ng Oedipus. Bukod dito, ito ay isang ilusyon at provokatibong misteryo na nabubuhay din sa kalabuan ng pagtingin at paglingon sa likod. Sa maraming mga lipunan, kahit na ang drama at drama panitikan ay sumasakop sa tuktok ng kultura, sinasabing ang mga aktor ay paksa ng lipunang hindi malinaw na damdamin at ang kanilang maluwalhating mga katawan ay isinumpa nang sabay. Hindi ito wala.
Drama Teatro ng Greek teatro Aktor
Moriaki Watanabe